Umení jako nezbytnost

Čtvrtý ročník bienále Ve věci umění se koná během tří měsíců (12. 6. – 13. 9. 2026) v Veltržním paláci Národní galerie v Praze a Městské galerii GAMPA v Pardubicích. Jeho hlavní tématem jsou Nezbytná přání (Nevyhnutelné přání).

Po vstupu do velké výstavní síně v Praze se návštěvníci ocitnou v jakémsi laboratoři pro společné přemýšlení o pálčivých politických a společenských otázkách dneška. Videá tvůrkyň a tvorců z Libanonu či Palestiny nás přenášejí do centra aktuálních konfliktů, instalace odkazující na politické represálie v Bělorusku nám zase připomíná stovky neprávem vězněných osob. Kritická díla ukrajinských tvůrců jsou záznamem hořké reality – smrti samotných umělců v boji proti ruskému agresorovi. Svět je jeden velký konflikt, a to se odráží i ve vystavených dílech. Tematická linie související s vojenskými konflikty a nesvobodou ve světě se organicky mísí s díly intimnějšího charakteru, které zkoumají identitu – rodovou, tělesnou, názorovou a často jsou angažované a zároveň hluboce lidské. 

Už na slavnostním otevření a prohlídce pro novinářky a novináře bylo jasně cítit celkový koncept bienále jako širšího projektu, který zahrnuje nejen umění, ale i politický aktivismus, sociální práci a vzdělávání. Kurátorský tým akcentoval zájem o decentralizaci jejich činnosti, nehierarchické fungování a také sdílení prostoru a materiální infrastruktury výstavy. Demokratický přístup se odrážel i v tom, že vstup na výstavy je pro všechny zdarma a bezbariérový. Ředitelka Národní galerie v Praze Olga Kotková zdůraznila i potřebu velkých a tradičních institucí otevírat se spolupráci s nezávislými seskupeními, která přinášejí nové impulzy. Jaké odlišné podmínky, jaký úplně jiný svět, a to jsme jen čtyři hodiny od Bratislavy.

Ředitelka iniciativy pro současné umění tranzit.cz a umělecká ředitelka bienále Tereza Stejskalová přiblížila, co pro organizátorství znamená nutnost v umění. V tematické rovině jde o společenskou solidaritu, odpor vůči mocným, politiku identity, vykorenení, válečnou a migrační zkušenost a také o otázky, v jakých podmínkách umění vzniká. Jak zdůraznila, pro tvůrce a tvůrkyně přitom nejde jen o kratochvíli, luxus či koníček, ale o hlubokou bytostnou potřebu reagovat na svět kolem sebe. Takovéto umění podle jejích slov nezůstává jen u reflexe, ale přináší i ztělesněnou zkušenost a poznání. S hlavní tématem souvisí i katalog k výstavě, respektive jeho alternativní forma, kterou připravila Platforma Fůd publikující nezávislý časopis Fůd – zin zaměřující se na angažovaný komiks a ilustrace. Tématem čísla určeného k výstavě, které obsahuje i rozhovory s kurátorským týmem a uměleckým kolektivem, je „denní chléb“. Vydání časopisu přináší další podněty k přemýšlení související s potřebou tvořit a vyjadřovat se k dění ve světě.

Kdy a pro koho je umění nezbytností?

Kurátorská trojice – František Fekete, Jakub Gawkowski a Jaroslava Tomanová vybrali 49 umělců a umělkyň z téměř všech koutů světa – od střední a východní Evropy, přes Blízký východ až po jihozápadní Asii. Překvapilo mě, že na výstavě bylo početné i zastoupení tvůrců a tvůrkyň ze Slovenska (Aliza Orlan, Jan Durina, Tina Bxtq, Adrián Kriška, Alex Sihelsk*, Hana Garová, Ladislava Gažiová). Tento jakýsi tvůrčí a myšlenkový azyl v Praze ještě vypukleji poukázal na to, jak moc nám na Slovensku chybí podobně otevřená platforma pro společné přemýšlení s vízií ohýbat či měnit společenskou realitu a poukazovat na nerovnosti a jiné naléhavé problémy dneška, jakým je bienále.

Každý z týmu zdůraznil ve svém kurátorském přístupu různé akcenty vztahující se ke společnému tématu umění jako nutnosti. Zatímco František Fekete vnímal nezbytnost umělecké tvorby hlavně jako způsob nacházení a tvarování vlastní identity (při výběru je to zřetelné hlavně v queer umění), Jaroslava Tomanová se zaměřila především na projekty, pro které je typická procesualita a přesahují čas a prostor bienále. Jde například o kolektiv Shella Radio, který se kromě hudby věnuje i politickým diskuzím či Kroužek intersekce zaměřující se na společné vzdělávání ve feministické literatuře. Uprostřed výstavní haly postavili obrovský stan, který si různé skupiny v průběhu trvání výstavy mohou pronajmout pro vlastní aktivity. Nutné je zachovat stanovené hodnoty, jakými jsou například respekt, podpora, empatie či spoluzodpovědnost. Další skupinou jsou StonyTellers v pražském uměleckém centru Tusculum, jejíž členové ještě před startem bienále založili komunitní zeleninovou zahradu. Jejich sídlo je taktéž místem rozmanitého programu, který se neváže jen na samotné bienále. Třetí z kurátorského týmu, Jakub Gawkowski z Polska, uplatnil své muzejní a kunsthistorické zázemí a výběr děl obohatil i těmi staršími, které se tak dostaly do přímé komunikace se současností. Z nich nejvíce působivý, pohybující se na křehké hranici života a smrti, byl fotografický cyklus západoněmeckého umělce Jürgena Baldigu z 80. let 20. století, který dokumentoval vlastní boj s HIV až do konce jeho života.

Kolik stojí být umělkyní?

Hned při vstupu do výstavní síně v Praze narazíte na dílo Kapitál od Željky Aleksić, která pochází ze Srbska a žije ve Vídni, kde i studovala. Hrubá kniha s bordovým přebalem umístěná pod ochranným sklem na bílém soklu již na první pohled vzbuzovala zvědavost. Jde o jediný exemplář, který je zároveň diplomovou prací umělkyně a skutečným deníkovým záznamem jejích příjmů a výdajů během pěti let studia. Obsahuje originály výplatních pásek z let, kdy pracovala jako uklízečka či číšnice, nákupní bločky i uhrazené faktury. Jak řekla Aleksić na komentované prohlídce, v tomto díle se rozhodla tematizovat svůj původ – prostředí pracující třídy a to, jaké je být umělkyní, a zároveň manuálně pracovat. Její „kapitálem“ je vzdělání. Jeho souhrnnou cenu a náročnou cestu k němu demonstruje v knihu-objektu, v níž se dalo listovat jen v bílých rukavicích během vernisáže a pod dohledem. Jak zdůraznila, nechtěla demonstrovat samotné vzdělání v zmyslu získání univerzitního diplomu, ale spíš cenu, kterou za to zaplatila. Bilance je přesně 54 312 eur. 

Politika a katastrofy se v umění nevyhnou 

Ze všech děl ve mně nejvíce rezonovaly textilní figuríny v díle Probíhající apokalypsa, které vytvořila/y Yana Bachynska alias Jan Bačynsjkyj z Ukrajiny. Šlo o šok a mrazivý pocit kontrastu, který vyplýval ze dvou prvků tohoto díla. Zrak okamžitě přilákaly hravé veselé barevné textilní postavičky z rozličných kusů oblečení, korálků a dalších předmětů působící až pohádkově optimisticky. Šlo o kousky oděvů, které Yana Bachynska nosila a přesouvala se v nich jako válečná uprchlice po různých zemích. Jasně se v nich odrážejí témata jako vykorenení, migrace, válka, nomádství. Druhým gestem doprovázejícím tyto postavy jsou textové komiksové bubliny, které ostře narušují jakékoliv pocity radosti a kritizují (nejen) světové elity, ale celkové narativy spojené s válkou na Ukrajině: „Po více než dvou letech jsem se vrátil/a domů. Stále probíhá ostřelování. Rozdíl je v tom, že tam nikdo neoslavuje ty, kteří nás zabíjejí. / Někteří západní levicoví očekávají, že zemřeme, aby se mohli nadále nazývat pacifisty. Někteří z pravice jsou připraveni vyměnit naše životy za „stabilitu“ nebo zdroje. / A obě strany jsou přesvědčené, že Ukrajinu a tuto válku chápou lépe než Ukrajinky a Ukrajinci, od politiků až po kurátory.“

Reálná smrt na frontě však neobchází ani umělce a umělkyně. Součástí výstavy jsou i kolektivní portréty ukrajinských anarchistů a levicových aktivistů Davyda Čyčkana zabitého ve válce či videoportrét queer umělce Artura Snitkusa od AntiGonny, která zachytila jeho androgynní křehkost a přeměnlivost a zobrazila ho jako fluidní andělskou bytost. Dílo působí jako anticipace jeho pozdějšího násilného skonu. Přímý politický kontext má dílo běloruské umělkyně Rufiny Bazlové a Stitch it Collective. Po vstupu do zúženého prostoru, který imituje vězeňskou celu, jsou vysoké červené stěny zaplněné od shora dolů tzv. vyšívkami, bílo-červenými vyšívanými grafikami. Ty zobrazují vždy jednoho ze 4500 politických vězňů, odpůrců současného diktátorského režimu v Bělorusku. Na jejich tvorbě se podílelo 70 lidí z celého světa.

Křehké záznamy identity 

Instalace slovenské umělkyně Alizy Orlan s názvem Vnitřní záležitosti zpracovává transfemininní zkušenost a vznikla přímo pro bienále. Inspirace pramení ze zkoumání antického náboženského kultu Kybelé a transrodových kněžek Galli. Kurátor František Fekete zdůrazňuje, že toto dílo spoluvytváří samotnou osobnost a identitu umělkyně a jde o „ryzou vnitřní aktivitu“. Detailní kresby v jemně růžových pastelových barvách ukazují prolínání zvířecích a rastlinných těl. Součástí instalace jsou přírodní materiály, například malé mušličky či lupínky květů, které vytvářejí kontrast vůči předmětům ze sterilního lékařského prostředí – hadičkám či prázdným krabičkám od hormonálních léků.

Jan Durina, dlouhodobě žijící v Praze, vystavuje fotografie, v nichž se zrcadlí jeho osobní bolest a trauma z nevydařeného milostného vztahu. V jeho tvorbě se objevují otázky související s pojmy jako samota, duševní zdraví, identita, rod či queer maskulinita. Kromě fotografií jsou přítomny i textilní artefakty, například lesklý třpytivý kostým, který byl součástí jeho předchozí umělecké performance. Jak řekl Durina, nesnažil se vytvořit jen povrchově krásný a módní artefakt, který by zaujal svou estetikou. Jeho časově náročnou ruční výrobu vnímá jako hluboce vnitřní meditační proces, který přináší léčivé účinky. U Alizy Orlan, stejně jako u Jana Duriny, vychází impuls pro krásno často z bolestivých a těžkých pocitů, které však dokážou transformovat do estetické podoby.

Další slovenskou umělkyní zastoupenou na bienále je Hana Garová s dílem Identita – kolekce záznamů. Podobně jako ve fotografiích Durinu, sledujeme v jejích na první pohled minimalistických autoportrétech bolest a zároveň nezbytnou touhu tvořit a psychologicky zkoumat vlastní já. Její expresionistické výrazy jsou neraz pochmurné, extatické a obsesivní a odrážejí se v nich až nesnesitelně silné emoce. Garová odkazuje na hledání rodové identity či duševní nevyrovnanost a přes desítky vlastních podob se snaží znovu poskládat vlastní já.

Queer umění, které v kontextu výstavy přinášelo další rozměry, byla Poslední bazilika gruzínského umělce Davida Apakidzeho. Z měkké plsti postavil repliku nejstaršího kostela v krajině, přičemž do ortodoxních ikon ve vitrážích vnesl queer perspektivu.

Nové možnosti života a tvorby

Co se týče nosné tématu umění jako nutnosti, výrazně rezonovala linie nacházení nových vizí pro budoucnost a imaginace odlišného způsobu života a tvorby. V této souvislosti spolu pro mě velmi podnětně komunikovaly dvě díla slovenských tvůrců mladé generace: textilní a dřevěné objekty Adriána Krišky v instalaci s názvem Kam se ani krkavci neodváží, která vznikla přímo pro bienále a videodílo multidisciplinárního uměleckého kolektivu Alex Sihelsk*. Kriška žije na ostrově Fuerteventura, kde spolu s partnerem budují rezidenční a kulturní centrum spojené se zahradou a ekologickou farmou. V tomto přístupu vidí podle vlastních slov jistou formu radikálního aktu, snahu o sebeudržitelnost a stažení se z míst, kde se bydlení stává nedostupným. Vystavené objekty, které odkazují na tradice venkovských prací na poli či na folklór, jsou mnohovrstevnaté a hravé. Častým motivem jsou čerti naplňující queer funkci jako revoltu vůči společnosti. Kriška reaguje i na současnost – mezi jednotlivými díly figuruje i palestinská vlajka, kterou se snaží přiblížit kontext genocidy v Palestině středoevropské veřejnosti. Jeho dílo tak propojuje globální problémy světa s lokální utlačovaností na venkově. Přes převracení neměnnosti tradic, folklóru a mýtů a také zdůrazňováním ekologických aspektů a potravinové udržitelnosti se kriticky vyhraňuje vůči kapitalismu či kolonialismu. Poukazuje přitom na fakt, že absolutní myšlenková odlehčenost a ignorance problémů není možná ani žádoucí, a to ani na odlehlém venkově.

Alex Sihelsk* ve filmu Zveromedze sleduje hlavní hrdinku příběhu, queer pastýrku putující se stádem koz krajinou v blízké budoucnosti. Rozhovory probíhají v mezislovanštině, uměle vytvořeném jazyku složeném ze všech slovanských řečí. Sihelsk* se inspiruje staroslovanskou mytologií, přičemž s autentickým nadšením nechává svou hrdinku, kterou sám/sama ve filmu ztvárňuje, překonávat různé překážky (nedostatek vody, útěk stáda). Setkává se s mladou dívkou, která se snaží získat její přízeň a postupně nabývá odvahu a ochotu její city opětovat. Jde o hluboký a citlivý portrét lidí žijících v souladu s přírodou, mimo většinový systém, kde jsou odkázáni na vzájemnou pomoc. Kriška i Sihelsk* ve své tvorbě hledají jistý typ úniku ze světa, ve kterém se více nedá žít. V jejich odvrácení však není naivita či slepý idealismus, ale úsilí naplnit život smysluplně a v souladu s respektováním jiných lidských životů, ale i přírody a jejích zákonitostí. Obě díla zároveň nabízela jistou naději, která je v současném konfliktům zmítaném světě více než potřebná. 

Autorka je divadelní kritička a publicistka

Text je součástí projektu PERSPECTIVES - nové značky pro nezávislou, konstruktivní a multiperspektivní žurnalistiku. Projekt je financován Evropskou unií. Vyjádřené názory a postoje jsou názory a prohlášení autora(-ů) a nemusí nutně odrážet názory a stanoviska Evropské unie nebo Evropské výkonné agentury pro vzdělávání a kulturu (EACEA). Evropská unie ani EACEA za ně nepřebírají žádnou odpovědnost.