Hamnet Rezension: Wie Chloé Zhao Shakespeares Tragödie in eine Meditation über Trauer verwandelt
Hypercritic
Nichts überschreitet die Grenzen des Lebens so sehr wie Kunst. Die mit einem Oscar ausgezeichnete Regisseurin und Rekordhalterin Chloé Zhao versteht das gut. Nach ihrem preisgekrönten Drama Nomadland aus dem Jahr 2020 ist die asiatische Filmemacherin mit einer neuen Adaption von Maggie O'Farrells Roman Hamnet aus dem Jahr 2020 zurückgekehrt. Zhao arbeitete mit O'Farrell am Drehbuch zusammen und lieferte eine Version, die sowohl treu als auch verheerend ist – eine filmische Neuinterpretation der Ursprünge von William Shakespeares Hamlet.
Nichts überschreitet die Grenzen des Lebens so sehr wie Kunst. Oscar-prämierter Regisseur und Rekordhalter Chloé Zhao versteht das gut. Nach ihrem preisgekrönten Drama von 2020 Nomadland ist die asiatische Filmemacherin mit einer neuen Adaption von Maggie O'Farrell's Roman von 2020 Hamnet zurückgekehrt. Zhao arbeitete mit O'Farrell am Drehbuch zusammen und lieferte eine Version, die sowohl treu bleibt als auch erschütternd ist—eine filmische Neuinterpretation der Ursprünge von William Shakespeare's Hamlet.
Hamnet verschiebt den Fokus auf Agnes (Jessie Buckley), die Frau von William Shakespeare, deren inneres Leben ebenso außergewöhnlich ist wie das ihres Mannes. Ohne die monumentale Aura, die seinen Charakter umgibt, wird Shakespeare (Paul Mescal) als aufstrebender Dramatiker und trauernder Vater dargestellt, dessen Verlust seines Sohnes Hamnet seine Arbeit inspiriert. Durch diese Darstellung rahmt Zhao die Erzählung um ein literarisches Vermächtnis zu einer intimen, leidenschaftlichen Erfahrung von Trauer.
Produziert von Steven Spielberg (Amblin Entertainment) und Sam Mendes (Neal Street Productions) sowie anderen, feierte Hamnet seine Premiere beim 52. Telluride Film Festival am 29. August 2025. Der Film beeindruckte Kritiker und Publikum gleichermaßen und ist ein Favorit in dieser Awards-Saison, mit acht Nominierungen für die 98. Academy Awards.
- Vom Roman zum Film: Chloé Zhaos Adaption von Hamnet
- Natur und Symbolik in Hamnet
- Hamnets Tod und die Tragödie hinter Shakespeares Hamlet
- Trauer und die heilende Kraft der Kunst in Hamnet
- Jessie Buckley und Paul Mescal in Chloé Zhaos Hamnet
- Die Entstehung von Hamnet: Kameraführung, Soundtrack und Produktion
- Auszeichnungen, Resonanz und kritische Reaktionen auf Zhaos Film
Vom Roman zum Film: Chloé Zhaos Adaption von Hamnet
Als natürliche Erweiterung von O'Farrells Werk bringt Chloé Zhao das Publikum nach 16. Jahrhundert Stratford-upon-Avon, William Shakespeares Heimatstadt. Während ihrer Recherche für den Roman arbeitete O'Farrell mit dem Shakespeare Birthplace Trust zusammen, um das Leben von Anne Hathaway anhand der begrenzten verfügbaren historischen Beweise neu zu rekonstruieren. Indem sie sie Agnes nennt, haucht die Autorin einer Figur neues Leben ein, die lange nur am Rande der Geschichte existierte.
Zhao bewahrt und vertieft diese Perspektive. Mit einem deutlich weiblichen Blick verweigert die Geschichte es, Agnes nur als „die Frau des großen Dramatikers“ darzustellen. Stattdessen wird sie als komplexe, autoritäre und fast mystische Präsenz gezeigt. Anstatt sie in eine Nebenrolle zu drängen, hervorhebt die Geschichte ihre Stärke, unerschütterliche Individualität und Verletzlichkeit. Zhao fängt Agnes' Gesten und Ausdrücke ein, positioniert sie konsequent im Mittelpunkt des Bildschirms, sodass diese Bedeutung sichtbar wird. Agnes ist widerstandsfähig und unerschütterlich, niemals auf den häuslichen Raum als Symbol der Begrenzung beschränkt. Stattdessen verleiht die Bildkomposition ihr eine durchsetzungsfähige Präsenz und stärkt ihre Handlungsfähigkeit.
Im Gegensatz dazu wird Shakespeares Name in O'Farrells Roman nie ausgesprochen. Stattdessen wird er durch seine familiären Rollen als Ehemann, Vater und Sohn definiert, die ihn in den menschlichen Bereich verankern. Hamnet übersetzt diese narrative Entscheidung in eine visuelle Sprache, die sich durch fast jeden Frame zieht.
Hamnet hat gemischte Kritiken erhalten. Einige Kritiker sagen, es könnte ein moderner Kultklassiker des zeitgenössischen Kinos werden, während andere argumentieren, dass es künstlich und emotional manipulativ wirkt. „Etwas zu erschaffen, das dich zum Weinen bringt, ist kein Beweis für meisterhaftes Filmemachen“, schrieb der Independent-Filmkritiker Patrick Sproull in einer aktuellen Rezension. Laut Sproull hat Zhao die Kunstfertigkeit, die sie in ihrer Debütproduktion zeigte, heruntergeschraubt und einen Film geschaffen, der darauf ausgelegt ist, ein breites Publikum anzusprechen, wobei die Schauspielerei zu explizit und theatralisch wird. Im Bestreben, eine tief emotionale Reaktion beim Publikum hervorzurufen, riskiert der Film, in Voyeurismus abzurutschen. Da Hamnet jedoch das Ergebnis einer kreativen Partnerschaft zwischen Zhao und O'Farrell ist, scheint die Theatralik des Films eine bewusste stilistische Entscheidung zu sein, als wollten sie, dass der ganze Film wie ein Theaterstück wirkt.
Natur und Symbolik in Hamnet
Der Film beginnt mit einer Totalaufnahme von Agnes, die zwischen den knorrigen Baumwurzeln liegt. Sie wirkt im Wald schwebend, als hätte sie ein Falke in der Luft erwischt. Das Rascheln der Blätter und das Knacken der Zweige scheinen zu ihr zu sprechen, verleihen der natürlichen Umgebung eine mysteriöse und fast fühlende Präsenz. Von Anfang an erscheint die Natur als Gebärmutter, ein lebendiges Wesen mit schlagendem Herz und pulsierenden Adern. Agnes hat einen Ruf; die Leute flüstern, sie sei die Tochter einer Waldhexe, die ihr mysteriöse Kräfte und eine beunruhigende Aura verlieh. Nach dem Tod ihrer Mutter wurde Agnes von einer Bauernfamilie großgezogen, zusammen mit ihrem Bruder Bartholomew (Joe Alwyn), doch sie galt immer als Außenseiterin.
Sie trifft William an einem Ort, der sich wie ein zeitloser Garten Eden anfühlt. Sie rennen durch die Bäume, lachen und keuchen, frei, sie selbst zu sein. Beschützt vom Wald bleibt ihre Liebe unberührt von der Ablehnung ihrer Familien. William ist ein kämpfender Lateinlehrer und Sohn eines Handschuhmachers mit einem Talent fürs Schreiben. Sie ist eine Hexe, die mit nur einer Berührung in die Seele eines Menschen blicken kann.
Obwohl Hamnet die Steifheit eines traditionellen Historienfilms vermeidet, spielen die Kostüme dennoch eine Schlüsselrolle, dank Malgosia Turzanska, der nominierten Oscar-Kostümbildnerin. William trägt hauptsächlich Blau, und Agnes trägt Rot, was einen starken Kontrast zwischen Zivilisation und Natur schafft. Zhao rahmt diese als maskuline und feminine Elemente.
Mit dem Fortschreiten der Geschichte helfen die Kostüme der Charaktere, ihre Rollen zu verkörpern und auf ihre emotionale Entwicklung hinzuweisen. Agnes' Kleider werden abgetragen und fast zerrissen, und die Kleidung ihres Mannes trägt auffällige Schnitte. Es ist, als würden der Schmerz und die Trauer, die sie tragen, langsam sichtbar werden.
Hamnets Tod und die Tragödie hinter Shakespeares Hamlet
Das Paar begrüßt ihr erstes Kind, Susanna (Bodhi Rae Breathnach). Genau wie ihre verstorbene Mutter in einem rätselhaften Traum angedeutet hatte, bringt Agnes sie im Wald zur Welt. Später bekommt sie Zwillinge, Judith (Olivia Lynes) und Hamnet (Jacobi Jupe). Judith ist viel schwächer als Hamnet. William zieht nach London, um das Geschäft seines Vaters auszubauen und eine Karriere im Theater zu verfolgen. Das Leben der Familie ändert sich für immer, als Hamnet während einer Pestepidemie stirbt.
Agnes kämpft darum, ihren Sohn mit den natürlichen Heilmitteln am Leben zu erhalten, die sie immer gekannt hat. Sie fühlt, wie die Erde unter ihren Füßen zerbricht, als Hamnet regungslos in ihre Arme fällt und schließlich den Gesetzen der Natur erliegt. In einem unvergesslichen, ungeskripteten Moment liefert Jessie Buckley eine herzzerreißende Leistung, schreit auf eine Weise, die sowohl uralt als auch unerträglich echt wirkt. Die lange Nahaufnahme verweilt auf ihrem Gesicht, während der Schrei in Stille übergeht, was Agnes' Trauer verstärkt und das Publikum in die überwältigende Intensität ihres Schmerzes zieht. Wenn wir den Verlust eines geliebten Menschen erleben, bleiben wir schmerzlich und leer zurück. Zhao taucht kopfüber in diese rohe, chaotische Trauer ein und bemüht sich, ihr Bedeutung zu verleihen.
Trauer und die heilende Kraft der Kunst in Hamnet
Er hat, sieht Agnes, getan, was jeder Vater sich wünschen würde: sein Kind leiden zu lassen, um sein eigenes Leid zu lindern, seinen Platz einzunehmen, sich selbst in seinem Kind zu opfern, damit der Junge leben kann. Sie wird all dies ihrem Ehemann später sagen, nachdem das Stück zu Ende ist, nachdem die letzte Stille eingetreten ist, nachdem die Toten aufgestanden sind, um ihre Plätze in der Reihe der Schauspieler am Rand der Bühne einzunehmen.
Maggie O'Farrell, Hamnet
Nach der Tragödie leben die beiden parallel, jeder auf seine Weise mit Trauer kämpfend. Einst stolz und wild, stolpert Agnes durch das Leben, unfähig, voranzukommen. William hingegen stürzt sich in seine Kunst, suchend im Publikum nach seinem Sohn, als ob er dort sein könnte. Der Höhepunkt des Films ist erreicht, als Agnes heimlich die Eröffnungsvorstellung von Hamlet im Globe Theatre besucht. Anfangs fühlt sich das Hören seines Namens wie ein Verrat an. Doch schließlich erkennt sie darin eine Hommage an Hamnets kurzes, aber bedeutungsvolles Leben und an die transformative, heilende und kathartische Kraft der Kunst.
Das Theaterstück entfaltet sich schließlich als kollektives Erlebnis. Jacobis älterer Bruder, Noah Jupe, spielt Hamlet, der vor Emotionen überwältigt ist und nach Vergiftung am Bühnenrand taumelt. Agnes greift nach seiner Hand, und das ganze Publikum folgt allmählich, sogar die in den oberen Rängen. Wenn Kunst das Leben lebendig darstellt, verschwimmt die Grenze zwischen Realität und Fiktion. Dieser letzte Moment entfacht einen fast magischen Funken, der das Leben übertrifft und Agnes eine letzte Gelegenheit gibt, sich von ihrem Sohn zu verabschieden.
Der Film erzählt die Mythos von Orpheus und Eurydike, in dem ein einziger Blick sowohl tiefe Liebe als auch unausweichliche Trennung vermittelt. Doch wenn die Refrain „Schau mich an“ von den Figuren wiederholt wird, unterlaufen sie das tragische Schicksal der Geschichte, indem sie offenbaren, dass Verlust nicht dauerhaft sein muss und dass Kunst ein Mittel sein kann, mit dem Schmerz umzugehen, den sie hinterlässt.
Zhaos Regie fügt der Metanarrative des Romans eine weitere Ebene hinzu. Sie reflektiert wie Kunst Trauer transformieren, Erinnerung bewahren und Raum für eine Neugestaltung des Lebens bieten kann. Dieses Konzept taucht auch in Joachim Triers Sentimental Value auf, in dem der Protagonist, ein Filmemacher, durch seinen neuesten Film wieder Kontakt zu seiner entfremdeten Tochter findet. Mit Liebe, Verlust und unausgesprochenem Schmerz kämpfend, schreibt er ein Drehbuch, das als Dialog dient, den er im echten Leben nicht zu haben wagt. Ironischerweise sind beide Filme Anwärter auf die kommenden Oscars. Obwohl sie stilistisch und kontextuell unterschiedlich sind, betonen beide Filme eine breitere cineastische Faszination dafür, wie Geschichtenerzählen Erinnerung und menschliche Verbindung navigiert. Doch in einer Rezension für Roger Ebert argumentierte Filmkritikerin Christy Lemire, dass Hamnet an Wirkung verliere, wenn man es nebeneinander stellt, aufgrund seiner übertriebenen Schauspielerei und didaktischen Tonalität. Sie bevorzugte die Subtilität und die unausgesprochenen Elemente, die den Trier-Film dominieren.
Jessie Buckley und Paul Mescal in Chloé Zhaos Hamnet
Mit nahtloser Talent- und Emotionsführung erweckt die Besetzung von Hamnet eine Geschichte zum Leben, die trotz ihrer großen Fiktionalität und des jahrhundertealten Settings zutiefst universell erscheint. Die Geschichte trifft jeden Ton, besonders die schmerzhaftesten. Trotz seines jungen Alters zeigt Jacobis Leistung eine bemerkenswerte emotionale Reife. Als er die Bühne verlässt und in den Wald schreitet, betritt er erneut die dunkle, höhlenartige Leere, die den Film seit den ersten Szenen verfolgt. Dieses Bild evoziert eine Mutter Natur, die Leben geben und nehmen kann, und sowohl Schrecken als auch Trost in Zeiten der Trauer spendet. Hamnets Präsenz verweilt dort, schwebend zwischen den blühenden Bäumen des Frühlings.
Buckley hatte ihr Talent bereits in früheren Auftritten bewiesen. Doch sie überraschte die Zuschauer erneut, indem sie etwas fast Urzeitliches in sich selbst anzapfte, um Agnes zu verkörpern. Laut Buckley fühlte sich die Rolle an wie die Performance ihres Lebens. „Ich dachte nur: ‚Das ist die Frau, nach der ich gesucht habe‘“, sagt sie in den Presseinformationen. „Sie ist ungebunden, frei, tief neugierig, wie ein Rausch aus Roggenwhiskey, schelmisch, hungrig, eine wunderschöne Seele einer Frau. Ich liebe sie einfach.“
Auf der Leinwand erscheint Agnes als Tochter des Waldes. Durch Buckleys Kunstfertigkeit scheint sie eine Erweiterung der natürlichen Welt um sie herum zu sein. Ihre Bewegungen sind organisch und instinktiv, und ihre Ruhe trägt die gleiche Intensität. Buckleys magnetische physische Präsenz verankert die Figur, vermittelt ihre Stärke und Widerstandskraft. Im Gegensatz dazu nähert sich Paul Mescal seiner Rolle, indem er über den psychologischen Hintergrund nachdenkt, der Shakespeare inspiriert haben könnte, Hamlet zu schreiben. Seine Leistung ist introspektiv und zurückhaltend, mit wenigen sichtbaren Ausbrüchen. Diese Subtilität lädt die Zuschauer ein, sich mit dem inneren Kampf der Figur zu beschäftigen. Ihre kontrastreichen, aber komplementären Stile schaffen einen filmischen Dialog, der die Spannung im Kern des Films verstärkt.
Während der 46-tägigen Dreharbeiten in Großbritannien entwickelte die Besetzung eine fast familiäre Bindung, die zur Authentizität ihrer letzten Performance beitrug. Zum Abschluss tanzten sie gemeinsam zu Rihannas „We Found Love“ am letzten Drehtag. Ein Video des Tanzes ging viral.
Die Entstehung von Hamnet: Kameraführung, Soundtrack und Produktion
Zhaos Zusammenarbeit mit dem polnischen Kameramann Łukasz Żal prägte die visuelle Identität des Films. Jedes Element des Films ist mit Symmetrie und Anmut gestaltet. Der Film sieht die Welt als eine umfassende Bühne, auf der Charaktere unerwartet ein- und aussteigen können, stets unter dem wachsamen Blick des Todes. Żals Beleuchtung ist schlicht, aber eindrucksvoll. Er kontrastiert Agnes' Waldszenen, die in natürlichem Licht getaucht sind, mit kerzengeschmückten Innenräumen, die Williams überwältigendes Gefühl der Erstickung widerspiegeln. Deshalb entschieden sie sich für digitale Dreharbeiten, um schärfere Farben zu erzielen und die visuelle Intensität des Films zu verstärken.
Außerdem arbeitete die Regisseurin mit dem für den Oscar nominierten Komponisten Max Richter zusammen, um die eindringliche Filmmusik für Hamnet zu komponieren. Inspiriert von der elizabethanischen Ära, schuf Richter eine Reihe von Stücken, die er „Color Studies“ nannte. Diese musikalischen Kompositionen begleiten die Geschichte und unterstreichen ihren Kreislauf von Leben und Tod. Zhao spielte die Musik am Set, um die Stimmung zu setzen und den Schauspielern zu helfen, die emotionale Textur ihrer Darbietungen zu erfassen. Die Musik verwendet hauptsächlich orchestrale Instrumente und Gesang, um tiefe, unaussprechliche Gefühle hervorzurufen, die oft in Worten nicht ausgedrückt werden können. Das bekannte Stück von Richter „On the Nature of Daylight“ ist in den letzten Szenen des Films zu hören. Mit seinem leisen, aber stetig ansteigenden Crescendo verwandelt die Musik Agnes' Trauer in Befreiung, während sie einen bitteren, schmerzhaften Lachanfall ausstößt.
Auszeichnungen, Resonanz und kritische Reaktionen auf Zhaos Film
Hamnet erhielt sechs Nominierungen bei den 83. Golden Globe Awards und gewann Bestes Filmdrama sowie Bester Schauspieler in einem Filmdrama für Jessie Buckley. Bei den 79. British Academy Film Awards gewann der Film den BAFTA Award für den herausragenden britischen Film, und Buckley erhielt den Preis als Beste Schauspielerin in einer Hauptrolle. Mit acht Nominierungen, darunter Bester Film, Bester Regisseur, Bestes adaptiertes Drehbuch und Beste Schauspielerin, rückt die 98. Oscar-Verleihung näher, und die Erwartungen sind hoch.
Wenn das Leben einschränkend erscheint, ist Kunst das perfekte Werkzeug, um die Zeit zu überdauern. Die visuellen Elemente, Darbietungen und das Design des Films vereinen sich zu einem Gefühl magischen Realismus. Zhaos Adaption versetzt die Zuschauer in eine andere Welt und führt sie auf eine intime Reise, bei der Schmerz auf Schönheit trifft und Leben auf Tod kollidiert.
Kunst verwandelt privaten Verlust in gemeinsames Gedächtnis. Shakespeares letzte Worte, „Der Rest ist Stille“, klingen wie eine haunting Bitte oder ein Fluch. Während das Publikum auf beiden Seiten des Bildschirms verzweifelt nach ihm greift, teilen sie einen gemeinsamen Schmerz und überschreiten die zerbrechliche Grenze zwischen Präsenz und Abwesenheit.