Sessions: Ein queerer Raum auf Zypern für Zusammenkunft, Austausch, Experimentieren und kollektive Praxis

 

Autor: Deniz Kirkali

 

In einer kulturellen Landschaft, die von Knappheit, Unsicherheit und Zwängen geprägt ist, entsteht Sessions als ein bedeutender queerer Raum in Zypern—an der Schnittstelle von Zusammenkunft, Experiment und infrastruktureller Proposition. Konzipiert von Dimitris Chimonas und Lex Gregoriou, fördert das Projekt eine lebendige, kollektive Ökologie, in der Performance, Politik und Alltag verschwimmen. Durch seine sich entwickelnden Formate—von Underground-Events bis hin zur temporären Besetzung einer staatlichen Galerie—stellt Sessions neu dar, was queerer Raum leisten kann: nicht nur Sichtbarkeit zu schaffen, sondern Gemeinschaft, Reibung und die fortwährende Praxis des Anderswerdens zu erhalten.

 

 

Krista Papista Konzert — © Courtesy of Sessions

 

Sessions, eine Reihe queerer Veranstaltungen auf Zypern, wurde als eine unabhängige und durchlässige Plattform für Performance und Experimentieren konzipiert und soll schließlich institutionelle Räume übernehmen. Dimitris Chimonas und Lex Gregoriou, Mitbegründer des Projekts, sprechen ausführlicher darüber, was es bedeutet, den zypriotischen queeren Raum zu erhalten.

 

Deniz Kirkali: Können Sie erzählen, wie Sessions begonnen hat? Auf welche Lücken im zypriotischen Kunst- und Kultursystem hat es reagiert oder versucht, sie zu füllen?

Dimitris Chimonas und Lex Gregoriou: Sessions begann mit einem sehr konkreten Bedürfnis: Queere Menschen und verbündete Subkulturen auf Zypern fehlten Räume zum Zusammenkommen, Experimentieren und zur Unterstützung der Gemeinschaft, ohne sich an institutionelle Erwartungen anpassen zu müssen. In der Post-Pandemie-Phase und als Reaktion auf soziopolitische Entwicklungen in Zypern und darüber hinaus bestand dringender Bedarf an Räumen für Zusammenkunft, Austausch und kollektive Schöpfung. Der Alltag führte uns zunehmend zu physischen und metaphorischen Erschöpfungsformen. Wir spürten eine wachsende Verwirrung und Angst im Zusammenhang mit persönlicher und kollektiver Identität, Zugehörigkeit und einer weit verbreiteten Rückzugsbewegung von Inspiration zum Leben und Schaffen. Durch Sessions wollten wir einen Raum schaffen, um mit diesen Zuständen umzugehen und unsere Beziehung zum Leben und zu unserer Umgebung neu zu denken.

Die erste Ausgabe der Sessions-Events (Okt–Dez 2022), die wir zunächst als einmaliges Ereignis geplant hatten, verwandelte einen ehemaligen künstlerisch betriebenen Raum in einen queeren Treffpunkt mit einer eigens gebauten Bühne, einem Lounge-Bereich und einer Bar, die das Projekt finanziell unterstützte. In Zusammenarbeit mit lokalen Künstlern und Kollektiven entwickelten wir ein intensives Programm, das sich über zwei Monate erstreckte und sich durch sich überschneidende Veranstaltungen auszeichnete: Performances, Workshops, Partys und Vorführungen. Daraus entstand die zweite Phase (Juni–Dez 2023), die diesen Impuls in eine radikalere Richtung führte: eine sechsmonatige „Übernahme“ der gesamten Staatlichen Galerie für Zeitgenössische Kunst – SPEL. Das Programm verlief fließend und experimentierte damit, was es bedeutet, eine staatliche Institution als einen öffentlichen, durchlässigen und kollektiv gestalteten Raum zu aktivieren.

Die „Lücke“, die Sessions anspricht, ist sowohl infrastrukturell als auch kulturell. Es fehlt an einer kontinuierlichen, selbstdefinierten queeren Kultur-Infrastruktur sowie an Plattformen, auf denen marginale Praktiken nicht nur gezeigt, sondern auch im Hinblick auf Zuschauerschaft, Teilnahme und Urheberschaft experimentieren dürfen.

 

DK: Wie hat die lokale queere Gemeinschaft das Programm geprägt, anstatt nur daran teilzunehmen?

DC und LG: Die lokale queere Gemeinschaft hat Sessions durch die Struktur des Projekts selbst geprägt. Es wurde nie als eine Institution konzipiert, die queere Künstler einlädt, sondern als eine lebendige Ökologie, die gemeinsam mit lokalen Künstlern, Aktivistengruppen und organisierten Subkulturen als Co-Hosts aufgebaut wurde. Bereits in der ersten Ausgabe arbeitete das Projekt durch dichte Netzwerke der Zusammenarbeit; in der zweiten Phase war die Staatliche Galerie Tag und Nacht geöffnet, was bedeutete, dass die Menschen nicht nur Veranstaltungen oder das Programm auf der Bühne besuchten. Es war, wie Menschen kochten, übten, stritten, flirteten, auf Sofas zusammenbrachen, improvisierten und Ecken des Raums als ihre eigenen beanspruchten. Auf diese Weise waren die Community-Mitglieder keine Zuschauer, sondern aktive Akteure, die den Raum kontinuierlich mitgestalteten.

 

© Panagiotis Mina

 

DK: Welche Konflikte oder Verhandlungen entstanden zwischen institutionellen Rahmen und der queeren Rückeroberung des Raumes?

DC und LG: Sessions begann buchstäblich underground, in einem versteckten Keller im Stadtzentrum, mit einer explizit anti-abhängigen Haltung gegenüber Institutionen und dem Wunsch, queere Menschen zusammenzubringen. Plötzlich hatten wir die Schlüssel zu einem Staatsgebäude in der Hand, eingeladen, es sechs Monate lang mit öffentlichen Mitteln zu „besetzen“. Wir gerieten sofort in einen Widerspruch: Sollten wir dies als Erfolg oder als eine Form der Co-Option betrachten?

Im SPEL näherten wir uns der institutionellen Verhandlung, indem wir ihre Machtsignale umgestalteten, anstatt zu versuchen, sie zu löschen. Dazu gehörten eine absichtlich unbesetzte Rezeption; Wandtexte, die durch ein handgeschriebenes, ständig überarbeitetes Programm ersetzt wurden, voller Fehler, Korrekturen und Kritzeleien; Wachleute und Personal, die eingeladen wurden, den Raum zu bewohnen; Künstler, die unfertige oder unpolierte Arbeiten präsentierten; und Publikum, das ermutigt wurde, ihre Körper auf ungezähmte Weise zu nutzen, sei es auf der Tanzfläche oder in improvisierten Sitzgelegenheiten. Diese Gesten mögen klein erscheinen, stellen aber eine direkte Herausforderung dar, wie Galerieräume Autorität, Kontrolle und eine Ästhetik der Ordnung produzieren.

Der Konflikt war also nicht nur ein Streit, sondern eine fortlaufende Choreografie: Wie man das Herz des Establishments als einen warmen, durchlässigen, pädagogischen und sozialen Raum nutzt, ohne in die erwarteten Hierarchien von Ordnung, Expertise und passivem Zuschauen zurückzufallen. Dies führte unweigerlich zu weiteren Spannungen mit Verteidigern traditioneller Kunstpraktiken, die solche Räume als unangefochtene Autoritäten des Wissens und ästhetischen Wertes sehen. Aus unserer Sicht sind genau diese Strukturen das, was gewalttätige Ungleichheiten reproduziert, und genau das muss Kunst ständig erschüttern, herausfordern und neu denken.

 

DK: Welche Risiken sind heute mit der unabhängigen Arbeit in Zypern verbunden?

DC und LG: Sessions arbeitet in Nikosia, einer Stadt, in der öffentliche Treffpunkte für radikale Subkulturen und queere Gemeinschaften fast nicht existieren oder bestenfalls unter ständigem Druck durch Eingrenzung und Überwachung stehen. Gleichzeitig machen steigende Mieten und Lebenshaltungskosten Räume und Zeit zu Privilegien. In diesem Kontext ist unabhängige Arbeit riskant, weil sie sowohl materiell prekär ist als auch politisch sichtbar bleibt.

Sozial gesehen verstärkt die unabhängige Arbeit als queere Initiative in einer kleinen, konservativen Gesellschaft die Exponiertheit: Wer sichtbar, identifizierbar und angreifbar ist. Politisch positioniert sich Sessions als aktiv in der Praxis, nicht nur symbolisch, und nutzt seine Plattform, um auf dringende soziale und politische Themen zu reagieren, wie etwa die Eskalation des Völkermords in Palästina, während wir in einem Gebäude lebten, das von einem Staat betrieben wird, der daran beteiligt ist. Dieser Ansatz kann die Relevanz und Wirkung erhöhen, macht aber auch verletzlicher.

Künstlerisch besteht das Risiko darin, sich auf Proben, Scheitern und Chaos als Werte festzulegen, insbesondere in öffentlichen oder institutionennahen Kontexten, in denen kulturelle Arbeit oft erwartet wird, poliert, lesbar und kontinuierlich erfolgreich zu erscheinen. Sessions kehrte diese Normen bewusst um und bestand stattdessen auf Prozess, Improvisation, Unordnung und kollektives Experimentieren als notwendige Bedingungen für künstlerisches und soziales Leben.

 

Sessions x SPEL Dancefloor NYE — © Demetris Shammas

 

DK: Auf welche Weise hat das Projekt dazu beigetragen, Praktiken, Körper und Narrative sichtbar zu machen, die zuvor marginalisiert waren?

DC und LG: Sessions hat durch seine episodische und dauerhafte Natur Sichtbarkeit dauerhaft gemacht. Es tat dies zuerst, indem es Räume queerte, die nicht für queere Präsenz vorgesehen waren, und dann, indem es das queere kulturelle Leben in anhaltende öffentliche Sichtbarkeit über Monate verlegte, anstatt nur durch isolierte Veranstaltungen.

Es machte auch Körper sichtbar, indem es die Teilnahme selbst neu gestaltete. Der Zusammenbruch formaler, konzeptueller und architektonischer Trennungen zwischen Performer und Publikum ist Teil der Methodik des Projekts. Körper sind nicht so angeordnet, dass sie aus der Ferne betrachtet werden, sondern um gemeinsam zu koexistieren, sich zu bewegen, zu ruhen, zu tanzen und gemeinsam zu handeln.

Schließlich machte Sessions marginale Narrative durch explizite politische Programmierung lesbar. Aktivistengruppen werden nicht als symbolische Anhänge eingeladen, sondern als zentrale Akteure, wobei Veranstaltungen als klare politische Statements gerahmt werden.

 

DK: Was bedeutet Nachhaltigkeit für eine queere kulturelle Initiative in Zypern?

DC und LG: Nachhaltigkeit, so wie wir sie verstehen, betrifft nicht nur Geld. Es geht um die Kontinuität von Raum, Zeit und den Bedingungen, die Gemeinschaften das Bestehen ermöglichen: Sicherheit, Zugänglichkeit und die Fähigkeit, Netzwerke weiter zu versammeln, ohne auszubrennen. Die Schaffung eines sichereren und mutigeren Raums ist ein dringender erster Schritt in Richtung Nachhaltigkeit, weil sie immer mit Fürsorge beginnt. Gleichzeitig hat Fürsorge Kosten—finanziell, in Bezug auf Arbeit und in Bezug auf Exposition—und diese Kosten sind nicht immer leicht zu tragen.

Nachhaltigkeit bedeutet auch, den Kräften zu widerstehen, die wiederholt radikale Räume verschwinden lassen: steigende Mieten, die Enclosure öffentlicher Räume und die Erschöpfung, die durch den Betrieb in einem ständigen Krisenzustand entsteht. Sessions reagiert darauf, indem es eine wiederkehrende Ökologie aufbaut, anstatt ein einmaliges Ereignis zu schaffen, bei dem die Teilnehmer sich gegenseitig über die Zeit unterstützen und profitieren.

Dieser Ansatz tut nicht so, als könne er eine dauerhafte Lösung bieten. Deshalb ist jede Iteration von Sessions mit einem vorbestimmten Ende gestaltet. Das Ende ist in diesem Sinne kein Scheitern, sondern ein Schutzmechanismus gegen Erschöpfung und eine Möglichkeit, das Projekt aus Bedarf und Wunsch wieder aufleben zu lassen.

 

Sessions x SPEL Party Install — © Pavlos Vrionides

 

DK: Wenn Sessions regelmäßig fortgesetzt würde, welche Formen könnte es annehmen?

DC und LG: Wahrscheinlich wieder kleiner, seltsamer und weniger institutionell lesbar. Der Moment der Staatlichen Galerie war kraftvoll, aber Intimität und Autonomie sind wichtiger als die Größe. Sessions sollte nie auf eine einzige Skala oder Format stabilisieren.

Das Projekt wird immer als eine Art Fehler innerhalb eines Kontexts funktionieren, in den es eintaucht. Andernfalls würde es aufhören, das Verb „queeren“ zu sein, was unser primäres Interesse ist. Für uns ist Queeren kein Identitätsmerkmal, sondern eine Methode: eine Art, Normen, Erwartungen und Hierarchien zu stören, wo immer das Projekt tätig wird.

Sessions versteht sich als ein Welterschaffungsvorhaben, das aus dezentralisierten Praktiken besteht, die auf spezifische Bedingungen reagieren können, anstatt sich selbst zu reproduzieren. Eine Fortsetzung würde nicht Repetition bedeuten, sondern Mutation.

 

DK: Glauben Sie, dass Sessions unabhängige queere Initiativen in Zypern inspiriert hat? Welche Art von Inspiration könnte es für zukünftige Projekte in ähnlichen Kontexten sein?

DC und LG: Die stärkste Inspiration, die Sessions bietet, ist methodisch. Es zeigt, dass queere Kultur als Infrastruktur organisiert werden kann: als Begegnungsmodus, Probenbedingung und Gastgeberumfeld, nicht nur als Repräsentation oder Sichtbarkeit. In diesem Sinne schlägt es Queerness als etwas vor, das gebaut, gepflegt und geteilt werden kann.

Es kann auch als Beispiel dienen, wie man Spannung aushält. Sessions bewahrt eine kritische Haltung gegenüber dem Establishment, nutzt aber strategisch institutionelle Öffnungen, um Ressourcen, Raum und Sichtbarkeit wieder in Gemeinschaften und informelle Netzwerke zu verteilen. Diese doppelte Positionierung, innen und gegen das Establishment, kann für zukünftige Projekte in ähnlich eingeschränkten Kontexten nützlich sein.

Schließlich setzt sich das Projekt dafür ein, Raum für Mut zu schaffen: für Scheitern, Laune, Theatralik und das Spiel mit Identität und Performance, ohne Druck, sich selbst zu lösen oder zu erklären. Wenn Sessions etwas inspiriert hat, dann vielleicht die Erlaubnis, solche Risiken ernst zu nehmen und sie als notwendig statt als verwöhnend zu verstehen.

 

Sessions x SPEL — © Courtesy of Sessions

 

DK: Wie können solche Initiativen verhindern, isolierte Momente zu bleiben, und zu langfristigem kulturellen Wandel beitragen?

DC und LG: Sessions hat vor allem ein kollektives Gedächtnis aufgebaut. Einerseits besteht es aus den gemeinsamen Erfahrungen einer großen und vielfältigen Gemeinschaft, die viele verschiedene Formen des Zusammenkommens und Schaffens durchlebt hat. Andererseits wurde dieses Erleben durch unser Zine, Buch und unsere Filme archiviert, wodurch flüchtige Momente in Referenzen verwandelt wurden, auf die andere zurückgreifen und aufbauen können—ein archiviertes Vergangenes, zu dem wir keinen Zugang hatten.

Durch das Umschreiben räumlicher Hinweise schlägt Sessions neue Gewohnheiten des Zusammenlebens vor. Es testet, wie „Öffentlichkeit“ als Raum für Werden, Lernen und Gastfreundschaft funktionieren kann, wobei politische Positionen verkörpert statt abstrakt erscheinen. Das Projekt versteht sich konsequent als politisch in der Praxis, reagiert auf dringende Themen, sobald sie auftreten, und produziert nicht nur symbolische Gesten. Hier beginnt kulturelle Arbeit, ins bürgerschaftliche Leben einzusickern.

 

Vielleicht war der stärkste Beitrag des Projekts und der Grund für seine breite Resonanz seine kollaborative Praxis. Sessions zeigte, dass wir gemeinsam viel mehr erreichen können als allein. Das Projekt wurde durch bereits bestehende Netzwerke und Kollektive möglich, die keinen gemeinsamen Treffpunkt hatten. Nachhaltiger Wandel bedeutet, diese Netzwerke weiterhin zu versammeln und aufzufüllen, während man die Menschen ehrt, die seit Jahren underground kulturelle Produktion und queeren Aktivismus auf der Insel unterstützen—und hoffentlich noch viele Jahre mehr.

 

 

Veröffentlicht am 14. April 2026

 

Über den Autor:

Deniz Kirkali ist eine unabhängige Kuratorin und Schriftstellerin mit Sitz in London. Sie hat das transnationale Kurator*innen- und Forschungskollektiv topsoil mitgegründet sowie Garp Sessions, ein Sommerresidenzprogramm in Babakale, Türkei. Sie promovierte an der Goldsmiths University.