Mich interessieren Verfall und heruntergekommene Viertel.

Einige Lieder von Kathryn Mohr klingen, als wären sie das Ergebnis eines mehrstündigen Blicks in einen stillgelegten Schacht. Genau das evoziert etwa ihr morbider Track Elevator. Die gebürtige Kalifornierin hielt sich während ihres Residenzaufenthalts in einer Fabrik auf Island offenbar auf vielerlei Weise psychisch bei Laune. Aus ihren Konfrontationen mit der natürlichen und industriellen Umgebung entstand 2025 das gelungene Album Waiting Room. Daran knüpft die Musikerin mit ihrer diesjährigen Aufnahme Carve an, in der ebenfalls Raum für abstrakte Zwischenspiele bleibt, doch das rohe Grunge hat das Sagen. Bei Kathryn Mohrs Halt in Brünn sprachen wir im Kabinet múz nicht nur über Musik. Unter anderem verriet sie mir, wie schwer und zugleich befreiend es für sie war, vor anderen über ihre Verletzungen zu sprechen.                   

In mehreren Interviews erwähnst du deine positive Beziehung zu Intensität. Dazu passt für mich auch die Tatsache, dass du allein von Dresden nach Brünn gefahren bist. Ich nehme an, du hattest keine Zeit für die Aussicht?

Nein, überhaupt nicht. Außerdem bin ich zum ersten Mal auf europäischen Straßen gefahren, es war ziemlich chaotisch. Alle wunderten sich, dass ich ein Auto gemietet hatte und allein damit zu den einzelnen Stationen meiner Tour fuhr. Genau deshalb habe ich es aber gemacht. Nach Berlin werde ich mich Siem Reap anschließen, und danach werden wir in seinem Van weiterreisen.

Offenbar fährst du gern Auto.

Ja, in Kalifornien kommt man ohne Führerschein wirklich nicht aus. Also habe ich im Autofahren aus der Not heraus eine gewisse Quelle der Ruhe gefunden. Europäische Züge und der öffentliche Verkehr sind großartig, aber allein wäre ich mit dieser riesigen Kiste voller Merch, dem Equipment und den Gitarren nicht weit gekommen.

Dein Debütalbum Waiting Room (2025) entstand während eines längeren Aufenthalts im isländischen Sköpunarmiðstöðin – heute auch als The Factory bekannt. Früher wurden dort Heringe verarbeitet, heute ist es ein Kulturzentrum. Hat dich die working class-Geschichte des Gebäudes beim Schaffen beeinflusst?

Die amerikanische Arbeiterklasse quer durch die untere und mittlere Schicht interessiert mich thematisch definitiv. Auf Island war es jedoch anders, da ich als Touristin dorthin kam. Deshalb habe ich auch das Gefühl, dass es mir nicht möglich war, den Genius Loci dieses Ortes tiefer zu erspüren. Zweifellos war es für mich aber eine faszinierende Geschichte. Als die Fabrik ihre Produktion einstellte, musste die lokale Bevölkerung jeden Tag viele Stunden zur Arbeit pendeln.

Wie sah deine tägliche Routine während der Residenz aus?

Ich hatte keine. Ich richtete mich nicht nach dem Kalender, sondern nur nach der Sonne. Was seltsam war, denn meiner Meinung nach ging sie spät unter und sehr früh auf. Deshalb machte ich morgens viel Musik. Wenn es mir zu viel wurde – meistens am Nachmittag –, ging ich einfach in den Bergen spazieren und nahm einige field recordings auf. So sah jeder Tag aus. In der isländischen Landschaft gab es keine markierten Wege – ich ließ mich einfach durch hohes Gras hinauf zu den Felsen führen. Island hat eine wunderschöne Natur.

Ich muss sagen, dass es dir auf der Platte gelungen ist, die Übergänge von der Fabrik in die isländische Landschaft klanglich einzufangen.

Danke. Übrigens: Hast du dir Radiohead auf den Arm tätowieren lassen?   

Ja, und es ist großartig, dass du das bemerkt hast, denn ich hätte sie völlig vergessen. Glaubst du, dass etwas von Yorkes Stil auch in deine Musik eingeflossen ist?

Ein paar Leute haben mir bereits gesagt, dass sie mein Klang an Thom Yorke erinnert. Er hat großartige Texte und weiß vor allem, wie man sie mit Melodien verbindet. Radiohead war für mich in meiner Teenagerzeit eine prägende Band.

Wann hast du erkannt, dass methodisches Arbeiten an einem einzigen Ort das Richtige für dich ist?

Eigentlich erst während der Residenz. Für mich persönlich war es ein großes Experiment, allein ins Ausland zu gehen. Ich wusste nicht, ob überhaupt etwas daraus entstehen würde. Ich funktioniere ziemlich intuitiv. Auch das zweite Album bereitete ich bei einem Kreativaufenthalt vor, der jedoch etwas kürzer war als der Aufenthalt auf Island. Wenn ich über ein drittes Album nachdenke, sage ich mir, dass ich gern für längere Zeit irgendwohin gehen würde. Dabei muss ich jedoch an viele Dinge denken –  zum Beispiel an Urlaub von meiner regulären Arbeit oder an ein Budget, das ich nicht einfach vergrößern kann.

Unsere Welt als gewöhnliche Zelle

Was bedeutet Flenser für dich – das unabhängige Musiklabel, bei dem auch Bands wie Have a Nice Life, Agriculture oder Chat Pile aktiv sind?

Ich habe es immer als einen Weg betrachtet, auf dem ich Menschen mit ähnlichen Werten im Rahmen der Musik kennenlernen kann. Um unsere dunkle Musik kreist alles wie um die Sonne. Ein großer Teil der Arbeiten der anderen aus dem Labelkatalog spricht mich sehr stark an. Das Amerika, das sie beschreiben, ist das, in dem ich aufgewachsen bin, genau so erinnere ich mich daran. Mich interessieren der Zerfall und die Menschen aus den Randgebieten, die oft vergessen werden. In abgelegenen Vierteln verbirgt sich so viel Leben und Aufrichtigkeit. Ich versuche, ein genaues Wort zu finden, das dieses Gefühl beschreibt, aber eigentlich ist es etwas, das von Romantisierung und künstlicher Schönheit gereinigt wurde. 

Auf Bandcamp habe ich bei deinem neuen Album Carve (2026) einen ziemlich witzigen Kommentar gefunden, der ein anderes Labelprojekt – Midwife – und dich mit zwei Figuren aus einem bekannten Videospiel verglich: dem guten Super Mario und seinem Gegenspieler Wario. Hat dir Madeline Johnston, die sich hinter dem erwähnten Pseudonym verbirgt, dabei geholfen, eine künstlerische Identität zu finden?

Okay, das habe ich nicht gesehen (lacht). Aber ich weiß nicht, wie ich ihr Gegenstück sein könnte, wenn Midwife selbst ziemlich düster ist. Die Arbeit mit Madeline war für mich sehr wichtig, ohne sie hätte ich wahrscheinlich nichts veröffentlicht.

Eine Sache habe ich zwar aufgenommen, aber ich war überzeugt, dass ich sie falsch gemacht hatte. Sie hat mir jedoch beigebracht, dass es beim Musikmachen nichts „Falsches“ gibt. Am Anfang können dich beim Musikmachen viele Dinge bremsen. Du sagst dir: „Ich kann es mir nicht leisten, in einem solchen Studio aufzunehmen, ich kann doch nicht dies und jenes machen“, aber so ist es nicht. Du kannst das alles auch in GarageBand machen. Madeline hat mir all das beigebracht, und meine ersten Aufnahmen entstanden in Koproduktion mit ihr.

Bei der Arbeit am Album Carve bist du irgendwo mitten in die Mojave-Wüste gefahren und hast dir über AirBnB eine Gefängniszelle gebucht. Warum?

Dahinter steckte keine Symbolik. Ich ging davon aus, dass es die günstigste Unterkunft in Kalifornien war. Sie hatte einen Betonboden und dort gab es kein fließendes Wasser. Es ist ziemlich witzig, dass sie das Gebäude in ein Gefängnis umgebaut haben –  ursprünglich sollte es eine familienfreundliche Westernstadt werden. Jemand bei Flenser mochte die Geschichte mit den Gittern offenbar so sehr, dass er darauf den Begleittext zum Album aufbaute.

Gut zu wissen, denn ich wollte mich schon dem Gefängnis-Setting widmen ...

Damals durchlebte ich eine emotional sehr angespannte Zeit. Meine lange Tour war zu Ende, und die Erschöpfung davon traf auf persönliche Sorgen. Um mich herum veränderte sich vieles. Für mich war es sehr unangenehm, aus einer Phase völliger Isolation in einen Zustand zu wechseln, in dem ich mich Menschen öffnen musste. Ich bin auch dann eine große Einzelgängerin, wenn ich von Menschen umgeben bin. Aber ich spürte, dass ich mich dem Ganzen endlich stellen sollte. Es fällt mir sehr schwer, mich so zu öffnen, dass es nicht allzu sehr wehtut. Ich bin jedoch dankbar, dass ich mich nicht völlig abgeschottet habe.

Kannst du die Arbeit am ersten und am zweiten Album vergleichen?

Es waren unterschiedliche Projekte. Ich habe jedoch das Gefühl, dass es sich um zwei Seiten derselben Medaille handelt. Während ich mich bei Waiting Room auf jedes Detail konzentrierte, geht es bei Carve eher um explosive Wut. Es klingt, als wären plötzlich alle angestauten Emotionen aus mir herausgeschossen.  

Grunge ist weiblich

Entschuldige den etwas oberflächlichen Vergleich, aber dein Riffing und deine Energie haben mich ziemlich an PJ Harvey erinnert. Hörst du beim Komponieren deiner eigenen Musik auch andere Musiker und Musikerinnen?

Normalerweise beginnt es mich furchtbar zu nerven, wenn ich immer wieder das höre, woran ich gerade arbeite. Von der ständigen kleinlichen Überarbeitung von Kleinigkeiten tun mir regelrecht die Ohren weh. Wenn ich also aufhören will, mich selbst zu quälen, höre ich beim Autofahren Musik von anderen. So habe ich gerade die erwähnte Polly Jean, aber auch Nirvana oder Sachen von Jason Molina sehr viel gehört. Ich kehre auch gern zu meiner Landsfrau Cat Power zurück.     

Fällt es dir schwer, Weiblichkeit im Grunge zu finden?

Das ist interessant, denn wenn ich über Grunge nachdenke, fällt mir vor allem Courtney Love und ihre Band Hole ein. Oder Sonic Youth, was zwar nicht ganz dieses Genre ist, aber nicht allzu weit davon entfernt. Natürlich liebe ich Kurt Cobain oder Alice in Chains, obwohl sie mit ihrer Ausstrahlung die Grungerinnen völlig überschattet haben. Ich denke jedoch eindeutig, dass hinter ihrem Männlichkeitsgehabe Feminismus zu spüren ist. Die wichtigsten Aufnahmen der Neunziger erscheinen mir vor allem wegen der emotionalen Wucht und Ausdruckskraft sensibler, reflektierter Männer stark.

Im Lied Angle of Repose singst du den Refrain „Who cares?“. Auch diese Apathie erscheint mir eher als eine männliche denn als eine weibliche Domäne.

Nun, die Wahrheit ist, dass I care. Ansonsten weiß ich wohl nicht zu beurteilen, ob das so ist. Aber ich werde nicht widersprechen, Gender spielt in meinem Leben tatsächlich eine wichtige Rolle. Durch diese Linse reflektiere ich alles Schreckliche, was in der Welt geschieht.

An welchem Ort wärst du nicht in der Lage, ein weiteres Album aufzunehmen?

An meinem Arbeitsplatz, weil ich mit Kindern arbeite. Es wäre nicht möglich, weil sich jemand an meiner Stelle um sie kümmern müsste. Auch das Gebäude des Sonderekindergartens halte ich nicht für geeignet, um dort aufzunehmen ... Wenn es jedoch einige Jahre verlassen wäre und ich dorthin zurückkehren würde, okay, vielleicht würde es funktionieren.

Der Autor ist Musikredakteur und Journalistikstudent

Der Text ist Teil des Projekts PERSPECTIVES – einer neuen Marke für unabhängigen, konstruktiven und multiperspektivischen Journalismus. Das Projekt wird von der Europäischen Union finanziert. Die geäußerten Meinungen und Ansichten sind die des Autors bzw. der Autoren und müssen nicht unbedingt die Meinungen und Standpunkte der Europäischen Union oder der Europäischen Exekutivagentur für Bildung und Kultur (EACEA) widerspiegeln. Weder die Europäische Union noch die EACEA übernehmen dafür Verantwortung.