Cura come nuova politica del lavoro

Siamo in un periodo di resistenza politica. Le tendenze autoritarie si rafforzano in tutta Europa e il capitalismo neoliberista radicato peggiora le disuguaglianze sociali e le condizioni planetarie di sopravvivenza. In questa atmosfera, le richieste di condizioni di lavoro più eque e dignitose nel teatro possono sembrare marginali, o addirittura un lusso. Ma come ho accennato nel testo precedente, le istituzioni teatrali possono essere un modello ispiratore anche per altri settori del mercato del lavoro. Il futuro delle condizioni di lavoro quindi non dipenderà né da grandi gesti rivoluzionari, né da aggiustamenti tecnocratici di facciata. Richiede la capacità di combinare un pensiero sistemico con cambiamenti concreti quotidiani.

Nel combattimento per la giustizia sociale e condizioni di lavoro dignitose, registro due principali schieramenti di opinione. Da un lato c’è la strategia di «creare crepe» (John Holloway) nell’egemonia capitalista, che si accontenta anche di piccoli successi come una legge di sponsorizzazione o bonus aumentati per la prima rappresentazione. Dall’altro lato ci sono le visioni di un futuro di sinistra ambizioso post-capitalismo e di un «mondo senza lavoro» (Nick Srnicek), che chiedono riforme radicali di tutta la società. Comprendo i sostenitori di entrambe le strategie, ma allo stesso tempo percepisco gli effetti della loro (non) attuazione. Le utopie irrealizzate tendono a paralizzare ulteriori sforzi e il scetticismo si diffonde come una pandemia (come abbiamo visto dopo il fallimento dei sindacati alla fine del millennio). Le negoziazioni di successo con il reparto risorse umane o il dialogo formale con il rappresentante legale possono sembrare gestione partigiana e tecnocratica dell’insoddisfazione (come abbiamo visto dal 2000 ad oggi). Ho deciso di chiudere la mia trilogia con un’analisi costruttiva delle tendenze attuali nel teatro, che utilizzano un serbatoio di idee di entrambe le strategie. Questa analisi può servire come un efficace supporto cognitivo, un’impalcatura con cui possiamo collettivamente salire verso l’ampliamento dei nostri orizzonti. Diverse idee richiedono solo un cambiamento di mentalità e approccio al proprio lavoro. E possono essere realizzate praticamente immediatamente! Quindi, tutti voi operatori teatrali, dipendenti, freelancer e manager, proviamo insieme a immaginare e riflettere su dove sia possibile creare una crepa funzionale e dove, al contrario, la situazione richiede una ridefinizione complessa del problema. La mia impalcatura cognitiva comprende in totale quattro passaggi.  

I. Passo: Iniziare da sé stessi

L’ecosistema teatrale europeo ha assunto la sua forma attuale circa a metà del XIX secolo. Da allora, tuttavia, l’intera società si è evoluta dinamicamente verso un «amore per il lavoro» neoliberista, il principio di progetto, la burocratizzazione e l’espansione di varie forme di lavoro in appalto. Le istituzioni teatrali e i collettivi non ufficiali dedicano sempre più tempo alla preparazione di domande, all’amministrazione e alla valutazione dei risultati, investendo tutto il tempo libero non retribuito nel networking e nella ricerca di opportunità lavorative per progetti futuri, rendendo così insostenibile il modello di lavoro. Il tempo dedicato alla creazione si riduce, le funzioni si moltiplicano, la capacità di pianificazione strategica si riduce e si stima che quasi la metà delle persone nel teatro soffra di sindrome da burnout o problemi psicologici.1

Secondo la mia opinione, il teatro slovacco di oggi deve prima creare una «mappa cognitiva» del proprio sistema socio-economico, cioè un’immagine mentale di dove si può collocare il proprio operato all’interno dell’immensità dell’economia globale. Quindi, non copiare il settore commerciale, non sostenere la hustle culture già nelle università, dove si insegna agli studenti competenze per creare il proprio brand personale il più rapidamente possibile, né chiedere una legge di sponsorizzazione come panacea per vari problemi. È importante ampliare la prospettiva della propria posizione cercando di inserire la filosofia della cura, le teorie femministe e care aesthetics nel DNA del nostro funzionamento. Se il teatro deve difendere la propria esistenza e offrire un’alternativa all’egemonia capitalista, deve non solo produrre rappresentazioni di valore, ma anche organizzare nuovi rapporti di lavoro, distribuire attenzione, riflettere sulla relazionalità e sul lavoro emotivo, e difendere condizioni etiche nella creazione artistica.

Questo primo passo sulla impalcatura cognitiva è fondamentale e ci sono molte strade e strumenti per raggiungerlo. A livello individuale, ovviamente, è importante rispettare i propri limiti, non assumersi obblighi oltre il contratto, allenarsi a ricevere e dare feedback, e costruire relazioni di qualità basate su rispetto, fiducia e solidarietà reciproca. Gli studenti universitari, in particolare in discipline come recitazione, regia o drammaturgia, possono ad esempio desiderare che l’insegnamento si concentri su «consenso», «coordinazione dell’intimità» e altri aspetti del curriculum.

In particolare nelle arti sceniche, tuttavia, l’auto-ottimizzazione è percepita come una merce richiesta, che sposta il peso della responsabilità dal collettivo all’attore stesso. Per evitare che questo passo sembri una guida motivazionale, è molto più strategico l’aspetto istituzionale. I teatri in Norvegia, Germania e Paesi Bassi adottano vari documenti, che fanno parte delle procedure di lavoro e di tutti i tipi di contratti. Che si tratti di clausole antidiscriminatorie o di Codici Etici, tali documenti sono strumenti concreti e applicabili di supporto e protezione, finalizzati a creare ambienti fisicamente e psicologicamente sicuri. Per raggiungere una prevenzione sistematica, i teatri dovrebbero monitorare assenze per motivi di salute e spettacoli cancellati, per identificare i periodi più a rischio della stagione. Possono garantire fisioterapia regolare, igiene vocale e supporto psicologico accessibile, invece di intervenire solo quando si manifesta il burnout o il collasso. È altrettanto importante formare i dirigenti sulla comunicazione, la prevenzione dei conflitti e i rischi psicosociali. Baci, abbracci o scene sessuali non sono solo questione di talento recitativo. Come la scherma o le cadute sceniche, anche l’intimità richiede una coreografia precisa, regole chiare e fiducia reciproca. Per questo motivo, anche nei teatri stranieri si sta diffondendo sempre più la figura del coordinatore dell’intimità. Il suo compito non è censurare la creazione, ma creare condizioni in cui gli attori possano concentrarsi sulla performance artistica senza timore di oltrepassare i limiti personali. Anche i teatri che non possono permettersi questa figura possono adottare regole semplici di buona prassi. Le scene intime dovrebbero essere discusse durante l’assegnazione della produzione, il consenso del cast non dovrebbe essere un firma una tantum, ma un processo continuo, e le scene intime non dovrebbero mai essere improvvisate. Anche il modo di comunicare è importante. I registi e il team creativo dovrebbero descrivere azioni sceniche specifiche, non emozioni o corpi degli attori.

In alcuni casi, queste misure sono avviate da una direzione illuminata, altre volte da organizzazioni sindacali. Tuttavia, è fondamentale il carattere partecipativo di tutto l’impegno e la possibilità di formulare tali documenti da parte di un’ampia gamma di attori. Lo scopo dei codici etici o di altre linee guida non è creare un’ulteriore burocrazia, ma definire valori condivisi, stabilire meccanismi di risoluzione dei conflitti e aggiornarli regolarmente in base alla prassi in evoluzione.

II. Passo: Redistribuire il potere

Negli ultimi anni, nei teatri occidentali si afferma sempre di più l’idea di orizzontalismo e di de- gerarchizzazione delle strutture interne. Naturalmente, nei gruppi non ufficiali si tratta di prassi comune di esistenza collettiva, ma come ha mostrato anche la conferenza della European Theatre Convention a Göteborg, i teatri europei sono altamente di potere, patriarcali e rappresentativi. Di oltre 80 teatri membri, solo a aprile di quest’anno si è riusciti a far sì che metà fosse guidata da una donna. Il secondo passo sulla impalcatura, quindi, non può essere realizzato senza sottolineare una democrazia interna radicale. Non si tratta necessariamente di abolire completamente la figura del rappresentante legale o di una democrazia diretta in tutti gli aspetti del lavoro. Al contrario, i modelli di teatro de- gerarchizzato possono essere pericolosamente ignorare le forme più sottili di dominanza e cadere nel paradosso di una gerarchia invisibile. Nel migliore dei casi, il teatro adotta una politica di potere prefigurativa e, alimentato da spunti utopico-anarchici, plasma il futuro qui e ora (come nel caso del teatro belga NTGent), nel peggiore, insiste così tanto sulla de- gerarchizzazione da farne un dogma che ignora le forze strutturali che ne impediscono il raggiungimento. In pratica, si verifica che i dipendenti si incontrano in una spirale di riunioni online su ogni banalità della vita. È molto più promettente considerare il teatro come un’istituzione pubblica che, pur avendo un ordine interno, può avere più di un soggetto gestore e di un dirigente, e quindi il potere può essere distribuito più orizzontalmente. In un’indagine sui condizioni di lavoro nei teatri pubblici slovacchi, condotta tra novembre 2025 e gennaio 2026, ho scoperto che solo il 58,6 % dei 29 moduli validi sulla modifica delle regole di lavoro è stato letto, e solo il 34,5 % ha la possibilità di commentarlo o co-crearlo (il restante 24,1 % solo parzialmente). Una delle possibilità per migliorare sistematicamente le condizioni di lavoro nei teatri è quindi spingere la direzione verso una maggiore partecipazione. Come ho mostrato nel primo articolo della serie, i sindacati hanno sprecato il loro ruolo storico, ma nella lotta per istituzioni più orizzontali saranno un attore indispensabile. L’iscrizione dovrebbe scegliere un comitato e una presidenza che riflettano le attuali condizioni di lavoro nel teatro, la dissoluzione dei confini tra vita lavorativa e privata, l’alto tasso di fluttuazione del personale e la stagnazione degli stipendi. I sindacati illuminati, ad esempio, possono insistere affinché, durante le audizioni pubbliche per il nuovo direttore, sia presente anche un rappresentante sindacale. La direzione artistica dovrebbe invece occuparsi di domande come «Chi è rimasto non ascoltato nel processo creativo?», «Chi porta il peso emotivo?», «Quali condizioni favoriscono la fiducia creativa?» o «Cosa deve rimanere invisibile affinché lo spettacolo possa nascere?». La cura di tutti così non si limita all’empatia individuale, ma diventa una pratica politica e istituzionale.

III. Passo: Trasparenza come cura

La cura del collettivo non dovrebbe essere applicata solo all’interno dell’istituzione, ma creare ponti tra tutti i gruppi coinvolti. Il problema del teatro slovacco è la frequente mancanza di trasparenza, pratiche poco chiare in materia di retribuzione personale e tensioni comunicative. Come mostrato anche dal questionario, solo il 46,7 % dei collaboratori esterni (registi, attrici o scenografi) è vincolato da regole interne del teatro, e le prestazioni lavorative vengono valutate più spesso in modo informale orale (65,5 %), o non vengono valutate affatto (13,8 %). La formazione sull’intervento e sui comportamenti a rischio, così come criteri più chiari di feedback, possono essere garantiti da un valutatore interno della stagione o delle singole produzioni, o da un facilitatore pagato, che possa aiutare a mediare in modo imparziale le valutazioni chiave delle attività teatrali.

Un altro passo verso una maggiore trasparenza è il dibattito pubblico sui compensi degli autori. Dalle mie esperienze, so che le negoziazioni sui finanziamenti tra teatro e collaboratori esterni avvengono a porte chiuse. Non è chiaro se un regista più anziano riceva un compenso più alto rispetto a una collega più giovane, che però può creare una produzione altrettanto di successo e dedicare un numero di ore di lavoro simile. Uno degli strumenti più pratici, che aiuta le organizzazioni a creare ambienti più sinceri e giusti, è il codice di condotta etico. In Repubblica Ceca, è attualmente in fase di preparazione il Codice Etico Nazionale per la Cultura e si basa sull’approccio «applica e spiega». Le organizzazioni dovrebbero rendere pubblici i compensi erogati, eliminare tirocini non retribuiti, garantire pari opportunità indipendentemente da genere, età o prestigio, considerare le responsabilità genitoriali e creare meccanismi per segnalare problemi e ricevere feedback regolari.

IV. Costruire istituzioni condivise

Perché i primi tre passi abbiano senso, serve un’ulteriore condizione. Non basta che i singoli teatri si occupino dei propri dipendenti, democratizzino i processi interni o adottino regole più trasparenti. È necessario imparare a organizzare anche l’intero settore. Il problema più grande del teatro slovacco non è la mancanza di talento o creatività, ma l’atomizzazione. Funzioniamo più spesso accanto che insieme. Ogni teatro sviluppa proprie metodologie, affronta questioni simili di diritto del lavoro, lotta con gli stessi problemi di personale o cerca risposte ai rischi psicosociali. Ogni cambiamento si ripresenta come un esperimento locale, anche se potrebbe diventare un’esperienza condivisa di tutto il settore. Il risultato è che spendiamo molta energia nel riscoprire ciò che è già stato scoperto.

Per questo, non basta parlare solo di cultura della cura. La cura ha bisogno della sua infrastruttura. Richiede organizzazioni che colleghino i teatri, raccolgano esperienze, creino standard professionali e siano in grado di farli rispettare anche nel cambio di direttori, amministratori o governi politici. Se la cura si basa solo sulla buona volontà degli individui, rimane fragile. Se diventa parte di istituzioni condivise, acquisisce continuità. In Slovacchia ci sono già organizzazioni che potrebbero svolgere un ruolo molto più attivo. L’Associazione Slovacca dei Teatri e degli Orchestri può essere non solo una piattaforma per i direttori e i teatri pubblici, ma anche uno spazio per discussioni sistematiche su standard di lavoro, sicurezza, condivisione di dati e negoziazioni con lo stato. La nuova Associazione dei Teatri Indipendenti evidenzia problemi specifici del settore non pubblico, ma potrebbe collegare ancora più intensamente le esperienze della scena indipendente con i teatri tradizionali. E le organizzazioni professionali, come l’Associazione dei Dramaturg e delle Dramaturghe, dimostrano che un’identità professionale collettiva può essere più di una semplice rappresentanza di una professione, può creare uno spazio per riflessione, formazione, definizione di standard etici e difesa pubblica delle condizioni di lavoro culturale. Simili piattaforme professionali potrebbero anche emergere progressivamente per altre professioni teatrali.

Il teatro slovacco, tuttavia, non manca solo di reti professionali più forti. Gli manca anche un’infrastruttura dati completa. La banca dati etheatre.sk raccoglie informazioni su titoli, team creativi e repliche, ma non fornisce un calendario delle prime, comunicati stampa o informazioni sulle opportunità di lavoro. Manca anche una coordinazione tra i teatri. Le prime vengono spesso pianificate senza comunicazione reciproca, i festival competono tra loro per le date, le ospitalità straniere avvengono più per caso che come risultato di una strategia condivisa. Ogni organizzazione cerca di sopravvivere da sola, anche se molti problemi potrebbero essere risolti insieme. In un’epoca di risorse pubbliche limitate, la cultura non può più permettersi il lusso dell’isolamento.

Costruire un’infrastruttura condivisa non significa centralizzazione o unificazione. Al contrario. L’obiettivo è creare condizioni affinché ogni teatro possa mantenere la propria autonomia artistica, senza dover ripetutamente risolvere gli stessi problemi sistemici. Banche dati condivise, metodologie comuni, ricerche sulle condizioni di lavoro, compensi minimi raccomandati, programmi di formazione per i dirigenti, partnership internazionali coordinate e incontri inter-istituzionali regolari costituiscono un’infrastruttura che di per sé non crea uno spettacolo migliore. Tuttavia, può creare le condizioni affinché uno spettacolo migliore sia più facile da realizzare.

Nel prologo del testo, ho parlato di due strategie di cambiamento sociale – di creare piccole crepe nel sistema esistente e di immaginare un futuro radicalmente diverso. La costruzione di un’infrastruttura condivisa è il luogo in cui queste due strategie si incontrano. Ogni nuova banca dati, ogni condivisione di dati, ogni standard etico o iniziativa professionale comune rappresentano una piccola crepa nella logica di isolamento e competizione. Allo stesso tempo, però, pongono le basi per un modo di funzionare della cultura completamente diverso – uno in cui il teatro non si occupa solo del proprio pubblico o non si lamenta della rappresentanza politica o dei tagli di budget, ma può anche prendersi cura di sé stesso. Le proposte che possono contribuire a questo, sebbene non elimineranno il teatro dal capitalismo, sono comunque una promessa di liberazione dal neoliberismo e di instaurazione di un nuovo equilibrio di potere. Il progresso verso un futuro migliore arriva solo con una riflessione ponderata e un’azione consapevole. 

L’autore è dramaturgo e sindacalista

Il testo fa parte del progetto PERSPECTIVES - un nuovo marchio per il giornalismo indipendente, costruttivo e multiperspectivico. Il progetto è finanziato dall’Unione Europea. Le opinioni e le posizioni espresse sono quelle dell’autore o degli autori e non riflettono necessariamente le opinioni e le dichiarazioni dell’Unione Europea o dell’Agenzia esecutiva europea per l’istruzione e la cultura (EACEA). L’Unione Europea né l’EACEA assumono alcuna responsabilità al riguardo.