Hamnet Recensie: Hoe Chloé Zhao Shakespeare’s tragedie omzet in een meditatie over verdriet
Hypercritic
Niets overstijgt de grenzen van het leven zozeer als kunst. Academy Award-winnende regisseur en recordhouder Chloé Zhao begrijpt dit goed. Na haar prijswinnende drama Nomadland uit 2020 is de Aziatische filmmaker teruggekeerd met een nieuwe bewerking van Maggie O'Farrells roman Hamnet uit 2020. Zhao werkte samen met O'Farrell aan het script en leverde een vertelling die zowel trouw als verwoestend is—een cinematografische heruitvinding van de oorsprong van William Shakespeares Hamlet.
Niets overstijgt de grenzen van het leven zoals kunst dat doet. Academy Award–winnende regisseur en recordhouder Chloé Zhao begrijpt dit als geen ander. Na haar prijswinnende drama van 2020 Nomadland is de Aziatische filmmaker teruggekeerd met een nieuwe adaptatie van Maggie O'Farrell's roman uit 2020 Hamnet. Zhao werkte samen met O'Farrell aan het scenario en levert een vertelling die zowel trouw als verwoestend is—een cinematografische herinterpretatie van de oorsprong van William Shakespeare's Hamlet.
Hamnet verschuift de focus naar Agnes (Jessie Buckley), de vrouw van William Shakespeare, wiens innerlijke leven even buitengewoon blijkt te zijn als dat van haar echtgenoot. Zonder de monumentale aura die haar personage omringt, wordt Shakespeare (Paul Mescal) afgebeeld als een opkomende toneelschrijver en een rouwende vader wiens verlies van zijn zoon, Hamnet, zijn werk inspireert. Door deze vertolking herdefinieert Zhao het verhaal van een literaire erfenis naar een intieme, viscerale ervaring van rouw.
Gemaakt door Steven Spielberg (Amblin Entertainment) en Sam Mendes (Neal Street Productions), onder anderen, ging Hamnet in première op het 52e Telluride Film Festival op 29 augustus 2025. De film maakte indruk op critici en publiek en is een koploper in deze awards-seizoen, met acht nominaties voor de 98e Academy Awards.
- Van Roman naar Film: Chloé Zhao’s Aanpassing van Hamnet
- Natuur en Symboliek in Hamnet
- Hamnets Sterfte en de Tragedie Achter Shakespeare’s Hamlet
- Rouw en de Genezende Kracht van Kunst in Hamnet
- Jessie Buckley en Paul Mescal in Chloé Zhao’s Hamnet
- De Maken van Hamnet: Cinematografie, Score en Productie
- Prijzen, Ontvangst en Kritische Reactie op Zhao’s Film
Van Roman naar Film: Chloé Zhao’s Aanpassing van Hamnet
Als een natuurlijke uitbreiding van O'Farrell’s werk brengt Chloé Zhao het publiek naar Stratford-upon-Avon uit de 16e eeuw, de geboorteplaats van William Shakespeare. Tijdens haar onderzoek naar haar roman werkte O'Farrell samen met de Shakespeare Birthplace Trust om het leven van Anne Hathaway te reconstrueren met de beperkte historische bewijzen die beschikbaar zijn. Door haar Agnes te noemen, blaast de auteur nieuw leven in een figuur die al lang aan de rand van de geschiedenis is blijven hangen.
Zhao behoudt en verdiept dit perspectief. Doordrenkt met een duidelijk vrouwelijk oog, weigert het verhaal Agnes uitsluitend af te schilderen als "de vrouw van de grote toneelschrijver." In plaats daarvan wordt ze afgebeeld als een complexe, gezaghebbende en bijna mystieke aanwezigheid. In plaats van haar te beperken tot een bijrol, legt het verhaal haar kracht, onverzettelijke individualiteit en kwetsbaarheid in de verf. Zhao vangt Agnes’ gebaren en uitdrukkingen, en frame haar consequent in het midden van het scherm, zodat deze betekenis kan ontstaan. Agnes is veerkrachtig en onverschrokken, nooit beperkt tot de huiselijke ruimte als symbool van beperking. In plaats daarvan geeft de framing haar een assertieve aanwezigheid en versterkt haar agency.
In tegenstelling, wordt de naam van Shakespeare nooit uitgesproken in O'Farrell’s roman. In plaats daarvan wordt hij gedefinieerd door zijn familierollen als echtgenoot, vader en zoon, die hem in het menselijke domein plaatsen. Hamnet vertaalt deze narratieve keuze naar een visuele taal die door bijna elk frame loopt.
Hamnet heeft gemengde recensies ontvangen. Sommige critici zeggen dat het een moderne cultklassieker van de hedendaagse cinema zou kunnen worden, terwijl anderen vinden dat het kunstmatig aanvoelt en emotioneel manipulatief is. "Het maken van iets dat je aan het huilen maakt, is geen bewijs van vakkundige filmmaking," schreef The Independent filmcriticus Patrick Sproull in een recente review. Volgens Sproull heeft Zhao de artistieke expressie uit haar debuutproductie afgezwakt en een film gemaakt die bedoeld is om een breed publiek aan te spreken, waarbij het acteerwerk te expliciet en histrionisch wordt. In haar streven om een diep emotionele reactie uit het publiek los te maken, loopt de film het risico voyeuristisch te worden. Maar aangezien Hamnet het resultaat is van een creatieve samenwerking tussen Zhao en O'Farrell, lijkt de theatrale aard van de film een bewuste stilistische keuze, alsof ze wilden dat de hele film aanvoelt als een toneelstuk.
Natuur en Symboliek in Hamnet
De film opent met een overheadshot van Agnes die ligt tussen de knoestige boomwortels. Ze lijkt in de bossen te zweven alsof een havik haar midden in de vlucht heeft gepakt. Het geritsel van bladeren en het knappen van takken lijken tot haar te spreken, geeft de natuurlijke omgeving een mysterieuze en bijna sentiente aanwezigheid. Vanaf het begin lijkt de natuur als een baarmoeder, een levend wezen met een kloppend hart en pulserende aderen. Agnes heeft een reputatie; mensen fluisteren dat ze de dochter is van een bosheks die haar mysterieuze krachten en een verontrustende aura gaf. Na de dood van haar moeder werd Agnes opgevoed door een boerenfamilie samen met haar broer Bartholomew (Joe Alwyn), maar ze werd altijd als een buitenstaander beschouwd.
Ze ontmoet William op een plek die voelt als een tijdloos Eden. Ze rennen door de bomen, lachend en buiten adem, vrij om zichzelf te zijn. Beschermd door het bos, blijft hun liefde onaangetast door de afkeuring van hun families. William is een worstelende Latijnsleraar en de zoon van een handschoenmaker met een talent voor schrijven. Zij is een heks die in iemands ziel kan kijken met slechts een aanraking.
Hoewel Hamnet de stijfheid van een traditioneel periodeverhaal vermijdt, spelen de kostuums nog steeds een belangrijke rol dankzij Malgosia Turzanska, de genomineerde kostuumontwerper voor een Oscar. William draagt vooral blauw, en Agnes draagt rood, wat een scherp contrast creëert tussen beschaving en natuur. Zhao frameert deze als mannelijk en vrouwelijk.
Naarmate het verhaal zich ontvouwt, helpen de kostuums van de personages hen hun rollen te belichamen en hints te geven over hun emotionele ontwikkeling. Agnes’ jurken worden versleten en bijna ruw, en de kleding van haar man vertoont opvallende scheuren. Het is alsof het verdriet en de pijn die ze dragen langzaam zichtbaar worden.
Hamnets Sterfte en de Tragedie Achter Shakespeare’s Hamlet
Het paar verwelkomt hun eerste kind, Susanna (Bodhi Rae Breathnach). Net zoals haar overleden moeder suggereerde in een cryptische droom, baart Agnes haar in het bos. Later krijgt ze nog tweeling, Judith (Olivia Lynes) en Hamnet (Jacobi Jupe). Judith is veel zwakker dan Hamnet. William verhuist naar Londen om de zaak van zijn vader uit te breiden en een carrière in het theater na te streven. Het leven van het gezin verandert voorgoed wanneer Hamnet sterft tijdens een pestepidemie.
Agnes worstelt om haar zoon in leven te houden met de natuurlijke remedies die ze altijd heeft gekend. Ze voelt de aarde barsten onder haar voeten wanneer Hamnet stil in haar armen valt, uiteindelijk bezwijkend aan de wetten van de natuur. In een onvergetelijk, ongescript moment levert Jessie Buckley een hartverscheurend optreden, schreeuwend op een manier die zowel oud als ondragelijk echt aanvoelt. De lange, close-up shot blijft hangen op haar gezicht terwijl de schreeuw vervaagt in stilte, waardoor Agnes’ rouw wordt versterkt en het publiek wordt meegezogen in de overweldigende intensiteit van haar pijn. Wanneer we geconfronteerd worden met het verlies van een geliefde, blijven we pijnigen en leeg achter. Zhao duikt vol overgave in deze rauwe, chaotische rouw, en probeert er betekenis aan te geven.
Rouw en de Genezende Kracht van Kunst in Hamnet
Hij heeft, ziet Agnes, gedaan wat elke vader zou wensen te doen, zijn kind’s lijden ruilen voor het zijne, zijn plaats innemen, zichzelf aanbieden in de plaats van zijn kind zodat de jongen kan leven. Ze zal dit later tegen haar man zeggen, nadat het stuk is geëindigd, nadat de laatste stilte is gevallen, nadat de doden zijn opgestaan om hun plaats in de rij van spelers aan de rand van het toneel in te nemen.
Maggie O'Farrell, Hamnet
Na de tragedie leiden de twee parallelle levens, elk op zijn eigen manier met rouw bezig. Eens trots en fel, struikelt Agnes door het bestaan, niet in staat om verder te gaan. William stort zich daarentegen op zijn kunst, zoekend in het publiek naar zijn zoon alsof hij daar misschien is, net buiten bereik. De film bereikt haar climax wanneer Agnes stiekem de opening van Hamlet bij het Globe Theatre bijwoont. Aanvankelijk voelt het horen van haar zoon’s naam als een verraad. Maar uiteindelijk ziet ze het als een eerbetoon aan Hamnets korte maar betekenisvolle leven en aan de transformerende, helende en cathartische kracht van kunst.
Het toneelstuk ontvouwt zich uiteindelijk als een collectieve ervaring. Jacobi’s oudere broer, Noah Jupe, speelt Hamlet, die overmand wordt door emoties en na vergif te hebben ingenomen, wankelt naar de rand van het toneel. Agnes reikt naar zijn hand, en het hele publiek volgt geleidelijk, zelfs degenen in de hogere balkons. Wanneer kunst levendig het leven afbeeldt, vervaagt de grens tussen werkelijkheid en fictie. Dit laatste moment ontsteekt een bijna magische vonk, die het leven overstijgt en Agnes nog één laatste kans geeft om afscheid te nemen van haar zoon.
De film vertelt het mythos van Orpheus en Eurydice, waarin een enkele blik zowel diepe liefde als onvermijdelijk afscheid betekent. Echter, terwijl het refrein "Kijk naar mij" wordt herhaald door de personages, ondermijnen ze het tragische lot van het verhaal en onthullen dat verlies niet permanent hoeft te zijn en dat kunst een middel biedt om met het verdriet om te gaan dat het achterlaat.
De regie van Zhao voegt een extra laag toe aan de metanarratieve structuur van de roman. Het overdenkt hoe kunst rouw kan transformeren, herinneringen kan bewaren en een ruimte kan bieden om het leven opnieuw te verbeelden. Dit concept komt ook naar voren in Joachim Trier’s Sentimental Value, waarin de hoofdpersoon, een filmmaker, via zijn nieuwste film opnieuw contact maakt met zijn vervreemde dochter. Worstelend met liefde, verlies en onuitgesproken pijn, schrijft hij een script dat dient als de dialoog die hij in het echte leven de moed ontbreekt te voeren. Ironisch genoeg zijn beide films kanshebbers voor de komende Oscars. Hoewel ze qua stijl en context verschillen, benadrukken beide films een bredere cinematografische fascinatie voor hoe verhalen herinneringen en menselijke verbinding navigeren. Echter, in een recensie voor Roger Ebert stelde filmcriticus Christy Lemire dat Hamnet aan impact verliest wanneer het naast elkaar wordt gezet vanwege de overdreven acteerprestaties en didactische toon. Ze gaf de voorkeur aan de subtiliteit en onuitgesproken elementen die Trier’s film domineren.
Jessie Buckley en Paul Mescal in Chloé Zhao’s Hamnet
Met naadloos talent en emotie brengt de cast van Hamnet een verhaal tot leven dat, ondanks dat het grotendeels fictief is en zich eeuwen geleden afspeelt, diep universeel aanvoelt. Het verhaal raakt elk snaar, vooral de meest pijnlijke. Ondanks zijn jonge leeftijd toont Jacobi’s vertolking opmerkelijke emotionele rijpheid. Wanneer hij het toneel verlaat en de bossen ingaat, betreedt hij opnieuw de donkere, holle leegte die de film sinds de eerste scènes heeft achtervolgd. Dit beeld roept een Moeder Natuur op die leven kan geven en nemen, en zowel angst als troost kan bieden in tijden van rouw. Hamnets aanwezigheid blijft daar hangen, tussen de bloeiende bomen van de lente.
Buckley had haar talent al bewezen in eerdere optredens. Toch verraste ze opnieuw door iets bijna oerends in zichzelf aan te spreken om Agnes te vertolken. Volgens Buckley voelde het spelen van deze rol als de performance van haar leven. "Ik dacht, 'Dit is de vrouw waar ik naar op zoek was,'" zegt ze in de persnotities. "Ze is ongebonden, vrij, diep nieuwsgierig, als een soort roggewhiskey, ondeugend, hongerig, een mooie ziel van een vrouw. Ik hou gewoon van haar."
Op het scherm verschijnt Agnes als een dochter van het bos. Door Buckley’s vakmanschap lijkt ze een verlengstuk van de natuurlijke wereld om haar heen. Haar bewegingen zijn organisch en instinctief, en haar stilstand straalt evenveel kracht uit. Buckley’s magnetische fysieke aanwezigheid verankert het personage, en communiceert haar kracht en onverschrokkenheid. Aan de andere kant benadert Paul Mescal zijn rol door na te denken over de psychologische achtergrond die Shakespeare mogelijk heeft geïnspireerd om Hamlet te schrijven. Zijn vertolking is introspectief en gereserveerd, met weinig zichtbare uitbarstingen. Deze subtiliteit nodigt uit tot betrokkenheid bij de innerlijke strijd van het personage. Hun contrasterende maar complementaire stijlen creëren een cinematografische dialoog die de spanning in het hart van de film versterkt.
Tijdens de 46 dagen durende opnames in het Verenigd Koninkrijk ontwikkelden de cast een familieband die bijdroeg aan de authenticiteit van hun uiteindelijke vertolking. Ter gelegenheid hiervan dansten ze samen op Rihanna’s "We Found Love" op de laatste dag van de opnames. Een video van de dans ging viraal.
De Maken van Hamnet: Cinematografie, Score en Productie
De samenwerking van Zhao met de Poolse cinematograaf Łukasz Żal vormde de visuele identiteit van de film. Elk element van de film is ontworpen met symmetrie en gratie. De film ziet de wereld als een allesomvattend toneel waar personages onverwacht kunnen binnen- en uitgaan, allemaal onder het waakzame oog van de dood. Żal’s belichting is eenvoudig maar evocatief. Hij contrasteert Agnes’ bos scènes, badend in natuurlijk licht, met kaarsverlichte interieurs die William’s overweldigende gevoel van verstikking weerspiegelen. Om deze reden kozen ze voor digitale filmopnames om fellere kleuren te krijgen en de visuele intensiteit van de film te versterken.
Daarnaast werkte de regisseur samen met de genomineerde voor een Oscar componist Max Richter om de betoverende score voor Hamnet te creëren. Geïnspireerd door het Elizabethaanse tijdperk, componeerde Richter een reeks stukken die hij "Kleurenstudies" noemde. Deze muzikale composities begeleiden het verhaal en onderstrepen de cyclus van leven en dood. Zhao speelde de score op de set om de sfeer te bepalen en de acteurs te helpen de emotionele textuur van hun vertolkingen aan te spreken. De score gebruikt vooral orkestrale instrumenten en zang om diepe, onuitsprekelijke gevoelens op te roepen die vaak niet in woorden kunnen worden uitgedrukt. Richter’s beroemde nummer "On the Nature of Daylight" wordt gebruikt in de afsluitende momenten van de film. Met zijn rustige maar gestaag toenemende crescendo transformeert de muziek Agnes’ rouw in bevrijding terwijl ze een bittere, pijnlijke lach uitdrukt.
Prijzen, Ontvangst en Kritische Reactie op Zhao’s Film
Hamnet ontving zes nominaties bij de 83e Golden Globe Awards, waarvan het won Beste Film – Drama en Beste Actrice in een Film – Drama voor Jessie Buckley. Bij de 79e British Academy Film Awards won de film de BAFTA voor Uitstekende Britse Film, en Buckley won Beste Actrice in een Hoofrol. Met acht nominaties, waaronder Beste Film, Beste Regisseur, Beste Adapted Screenplay en Beste Actrice, naderen de 98e Academy Awards snel, en de verwachtingen zijn hoog.
Wanneer het leven beperkend aanvoelt, is kunst het perfecte instrument om de tijd te doorstaan. De visuele elementen, vertolkingen en het ontwerp van de film komen samen om een gevoel van magisch realisme te creëren. Zhao’s adaptatie brengt kijkers naar een andere wereld, en leidt hen op een intieme reis waar pijn en schoonheid samenkomen en het leven botst met de dood.
kunst transformeert privéverlies in een gedeelde herinnering. Hamlet’s laatste woorden, “De rest is stilte,” klinken als een spookachtige smeekbede of een vloek. Terwijl het publiek aan beide zijden van het scherm wanhopig naar hem reikt, delen ze een gemeenschappelijk verdriet en overstijgen ze de fragiele grens tussen aanwezigheid en afwezigheid.