Interesuje mnie rozkład i zapadłe dzielnice

Niektóre piosenki Kathryn Mohr brzmią tak, jakby były rezultatem wielogodzinnego wpatrywania się w niedziałający szyb. Dokładnie to przywodzi na myśl choćby jej makabryczny utwór Elevator. Pochodząca z Kalifornii artystka podczas rezydencji w fabryce na Islandii najwyraźniej na różne sposoby dbała o swoją kondycję psychiczną. Z jej konfrontacji z naturalnym i industrialnym środowiskiem zrodził się w 2025 roku udany album Waiting Room. Muzyczka nawiązuje do niego tegorocznym nagraniem Carve, w którym również znalazło się miejsce na abstrakcyjne interludia, jednak główną rolę odgrywa surowy grunge. Podczas brneńskiego przystanku Kathryn Mohr w Kabinecie Muz rozmawialiśmy nie tylko o muzyce. Między innymi zdradziła mi, jak trudne, a zarazem wyzwalające było dla niej rozpoczęcie mówienia o swoich zranieniach przy innych osobach.                   

W kilku wywiadach wspominasz o pozytywnym stosunku do intensywności. Pasuje do tego również fakt, że sama przyjechałaś z Drezna do Brna. Zakładam, że nie miałaś czasu na podziwianie widoków?

Nie, zupełnie nie. Po europejskich drogach prowadziłam zresztą po raz pierwszy, było dość chaotycznie. Wszyscy dziwili się, że wynajęłam samochód i samodzielnie przemieszczam się nim między kolejnymi przystankami mojej trasy. Właśnie dlatego się na to zdecydowałam. Po Berlinie dołączy do mnie jednak Siem Reap i dalej będziemy podróżować jego vanem.

Najwyraźniej lubisz prowadzić.

Tak, w Kalifornii naprawdę nie da się obyć bez prawa jazdy. Dlatego w jeżdżeniu z konieczności znalazłam pewne źródło spokoju. Europejskie pociągi i inne środki transportu publicznego są super, ale sama nie zajechałabym daleko z tą ogromną skrzynią merchu, sprzętem i gitarami.

Twój debiutancki album Waiting Room (2025) powstawał podczas dłuższego pobytu w islandzkim Sköpunarmiðstöðin – dziś znanym również jako The Factory. Kiedyś przetwarzano tam śledzie, dziś jest to przestrzeń kulturalna. Czy podczas tworzenia wpływała na ciebie working class historia tego miejsca?

Amerykańscy pracownicy z niższej i średniej klasy zdecydowanie interesują mnie pod względem tematycznym. Na Islandii było jednak inaczej, ponieważ pojechałam tam jako turystka. Dlatego mam wrażenie, że uniemożliwiło mi to głębsze odczucie genius loci tego miejsca. Bez wątpienia była to jednak dla mnie fascynująca historia. Kiedy fabryka wstrzymała produkcję, miejscowa ludność musiała codziennie podróżować za pracą przez wiele godzin.

Jak wyglądała twoja codzienna rutyna podczas rezydencji?

Nie miałam żadnej. Nie patrzyłam w kalendarz, tylko na słońce. Co było dziwne, bo jak na mój gust zachodziło późno, a wschodziło bardzo wcześnie. Dlatego rano dużo zajmowałam się muzyką. Kiedy miałam już tego po dziurki w nosie – najczęściej po południu – po prostu szłam na spacer po górach, nagrywać jakieś field recordings. Tak wyglądał każdy dzień. W islandzkim krajobrazie nie było żadnych oznakowanych szlaków – po prostu prowadziła mnie wysoka trawa w górę, po skałach. Islandia ma przepiękną przyrodę.

Muszę przyznać, że na płycie udało ci się za pomocą dźwięku uchwycić przejścia z fabryki do islandzkiego krajobrazu.

Dziękuję. A tak w ogóle, masz wytatuowanych na ręce Radiohead?   

Tak i super, że to zauważyłaś, bo zupełnie bym o nich zapomniał. Myślisz, że coś ze stylu Yorke’a odcisnęło się również na twojej twórczości?

Już kilka osób powiedziało mi, że mój dźwięk przypomina im Thoma Yorke’a. Ma wspaniałe teksty, a przede wszystkim wie, jak łączyć je z melodiami. Radiohead byli dla mnie formacyjnym zespołem w wieku nastoletnim.

Kiedy zdałaś sobie sprawę, że metodyczna praca skoncentrowana w jednym miejscu jest dla ciebie właściwym rozwiązaniem?

Tak naprawdę dopiero podczas rezydencji. Dla mnie osobiście był to wielki eksperyment – wyjazd samotnie za granicę. Nie miałam pojęcia, czy w ogóle coś z tego wyniknie. Działam dość intuicyjnie. Drugi album również przygotowywałam podczas pobytu twórczego, ale był on nieco krótszy niż pobyt na Islandii. Myśląc o trzecim albumie, mówię sobie, że chciałabym wyjechać gdzieś na dłużej. Muszę jednak brać pod uwagę wiele rzeczy –  na przykład urlop w zwykłej pracy albo budżet, którego po prostu nie mogę rozciągnąć.

Nasz świat jako zwykła cela

Co oznacza dla ciebie Flenser – niezależna wytwórnia muzyczna, w której działają również zespoły takie jak Have a Nice Life, Agriculture czy Chat Pile?

Zawsze uważałam go za drogę, na której mogę poznawać ludzi o podobnych wartościach w ramach muzyki. Wszystko wokół naszej mrocznej muzyki krąży jak wokół słońca. Bardzo silnie rezonuje we mnie duża część twórczości pozostałych artystów z katalogu wytwórni. Ameryka, którą opisują, to ta, w której dorastałam, dokładnie tak ją pamiętam. Interesuje mnie rozpad i ludzie z peryferii, o których często się zapomina. W zapuszczonych dzielnicach kryje się tak wiele życia i szczerości. Próbuję znaleźć jakieś dokładne słowo, które oddawałoby to uczucie, ale tak naprawdę jest to coś oczyszczonego z romantyzowania i sztucznego piękna. 

Na Bandcampie znalazłem przy twoim nowym albumie Carve (2026) całkiem zabawny komentarz, który porównał ciebie i inny projekt wydawnictwa – Midwife – do pary postaci ze znanej gry wideo: pozytywnego Super Maria i jego antagonistycznego Waria. Czy Madeline Johnston, ukrywająca się za wspomnianym pseudonimem, pomagała ci odnaleźć twórczą tożsamość?

OK, tego nie widziałam (śmiech). Ale nie wiem, jak mogłabym być jej przeciwieństwem, skoro Midwife sama w sobie jest dość mroczna. Praca z Madeline była dla mnie bardzo ważna, bez niej prawdopodobnie niczego bym nie wydała.

Nagrałam wprawdzie jedną rzecz, ale byłam pewna, że zrobiłam to źle. Ona jednak nauczyła mnie, że w tworzeniu muzyki nie istnieje nic „złego”. Na początku wiele rzeczy może hamować cię w tworzeniu muzyki. Mówisz sobie: „nie stać mnie na nagrywanie w takim studiu, przecież nie mogę zrobić tego czy tamtego”, ale to nieprawda. Możesz zrobić to wszystko nawet w GarageBandzie. Madeline nauczyła mnie tego wszystkiego, a moje pierwsze nagrania powstawały we współpracy z nią.

Pracując nad albumem Carve, pojechałaś gdzieś na środek pustyni Mojave i zarezerwowałaś przez AirBnB więzienną celę. Dlaczego?

Nie było w tym żadnej symboliki. Wybrałam to miejsce, bo było najtańszym zakwaterowaniem w Kalifornii. Miało betonową podłogę i nie było tam bieżącej wody. Całkiem zabawne jest to, że budynek przerobiono na więzienie –  pierwotnie miało to być family friendly miasteczko w stylu westernowym. Komuś z Flensera najwyraźniej tak spodobała się historia z kratami, że na jej podstawie stworzył opis albumu.

Dobrze wiedzieć, bo już chciałem skupić się na więziennym kontekście...

W tamtym czasie przeżywałam emocjonalnie trudny okres. Skończyła się moja długa trasa koncertowa, a wyczerpanie po niej spotkało się z osobistym cierpieniem. Wiele rzeczy wokół mnie się zmieniało. Bardzo trudno było mi przejść od okresu całkowitej izolacji do stanu, w którym musiałam otworzyć się na ludzi. Jestem wielką samotniczką nawet wtedy, gdy otaczają mnie ludzie. Poczułam jednak, że w końcu powinnam się z tym wszystkim skonfrontować. Bardzo trudno jest mi otworzyć się w taki sposób, żeby nie bolało to zbyt mocno. Jestem jednak wdzięczna, że całkowicie się nie odizolowałam.

Możesz porównać pracę nad jednym i drugim albumem?

To były różne projekty. Mam jednak wrażenie, że są dwiema stronami tej samej monety. Podczas pracy nad albumem Waiting Room koncentrowałam się na każdym szczególe, natomiast album Carve opowiada raczej o eksplozywnej złości. Brzmi tak, jakby nagle wyleciały ze mnie wszystkie nagromadzone emocje.  

Grunge jest rodzaju żeńskiego

Wybacz mi tak płytkie porównanie, ale twoje riffy i energia mocno przypomniały mi PJ Harvey. Czy podczas tworzenia własnej muzyki słuchasz również innych muzyków i muzyczek?

Zwykle zaczyna mnie strasznie irytować, kiedy wciąż słucham tego, nad czym pracuję. Od nieustannego, drobiazgowego przerabiania szczegółów aż bolą mnie uszy. Kiedy więc chcę przestać się sama sobą dręczyć, podczas jazdy samochodem puszczam sobie muzykę innych. W ten sposób często słuchałam właśnie wspomnianej Polly Jean, ale także zespołu Nirvana czy rzeczy Jasona Moliny. Chętnie wracam również do rodaczki Cat Power.     

Czy trudno jest ci odnajdywać kobiecość w grunge’u?

To ciekawe, bo kiedy myślę o grunge’u, przede wszystkim przychodzi mi na myśl Courtney Love i jej zespół Hole. Albo Sonic Youth, który nie jest wprawdzie do końca przedstawicielem tego gatunku, ale niewiele od niego odbiega. Oczywiście uwielbiam Kurta Cobaina czy Alice in Chains, choć swoją charyzmą całkowicie przyćmili grunge’owe dziewczyny. Zdecydowanie uważam jednak, że za ich męskością wyczuwa się feminizm. Najważniejsze nagrania lat dziewięćdziesiątych wydają mi się silne przede wszystkim dzięki emocjonalnemu ładunkowi i ekspresji wrażliwych, świadomych mężczyzn.

W piosence Angle of Repose śpiewasz refren „Who cares?”. Ta apatia również wydaje mi się raczej męską niż kobiecą domeną.

Cóż, prawda jest taka, że I care. Poza tym chyba nie potrafię ocenić, czy tak jest. Nie będę się jednak spierać,  gender rzeczywiście odgrywa w moim życiu ważną rolę. Za jego pośrednictwem odzwierciedlam wszystko, co strasznego dzieje się na świecie.

W jakim miejscu nie byłabyś w stanie nagrać kolejnego albumu?

W mojej pracy, ponieważ pracuję z dziećmi. Nie byłoby to możliwe, bo ktoś musiałby się nimi zająć zamiast mnie. Za odpowiedni do nagrywania nie uważam również samego budynku specjalnego przedszkola... Gdyby jednak był opuszczony przez kilka lat, a ja wracałabym do niego, okej, może dałoby się to zrobić.

Autor jest redaktorem muzycznym i studentem dziennikarstwa

Tekst jest częścią projektu PERSPECTIVES – nowej marki niezależnego, konstruktywnego i wieloperspektywicznego dziennikarstwa. Projekt jest finansowany przez Unię Europejską. Wyrażone poglądy i stanowiska są poglądami i oświadczeniami autora(-ów) i nie muszą odzwierciedlać poglądów i stanowisk Unii Europejskiej ani Europejskiej Agencji Wykonawczej ds. Edukacji i Kultury (EACEA). Unia Europejska ani EACEA nie ponoszą za nie żadnej odpowiedzialności.