Umenie ako nevyhnutnosť

Štvrtý ročník bienále Ve věci umění sa koná počas troch mesiacov (12. 6. – 13. 9. 2026) vo Veľtržnom paláci Národnej galérie v Prahe a Mestskej galérii GAMPA v Pardubiciach. Jeho hlavnou témou sú Nezbytná přání (Nevyhnutné priania).

Po vstupe do veľkej výstavnej sály v Prahe sa návštevníci ocitnú v akomsi laboratóriu na spoločné premýšľanie o pálčivých politických a spoločenských otázkach dneška. Videá tvorkýň a tvorcov z Libanonu či Palestíny nás prenášajú do centra aktuálnych konfliktov, inštalácia odkazujúca na politické represálie v Bielorusku nám zase pripomína stovky neprávom väznených osôb. Kritické diela ukrajinských tvorcov sú záznamom trpkej reality – smrti samotných umelcov v boji proti ruskému agresorovi. Svet je jeden veľký konflikt, a to sa odráža aj vo vystavených dielach. Tematická línia súvisiaca s vojnovými konfliktmi a neslobodou vo svete sa organicky premiešava s dielami intímnejšieho charakteru, ktoré skúmajú identitu – rodovú, telesnú, názorovú a často sú angažované a zároveň hlboko ľudské. 

Už na slávnostnom otvorení a prehliadke pre novinárky a novinárov bolo jasne cítiť celkový koncept bienále ako širšieho projektu, ktorý zahŕňa nielen umenie, ale aj politický aktivizmus, sociálnu prácu a vzdelávanie. Kurátorský tím akcentoval záujem o decentralizovanie ich činnosti, nehierarchické fungovanie a tiež zdieľanie priestoru a materiálnej infraštruktúry výstavy. Demokratický prístup sa zrkadlil aj v tom, že vstup na výstavy je pre všetkých zdarma a bezbariérový. Riaditeľka Národnej galérie v Prahe Olga Kotková zdôraznila aj potrebu veľkých a tradičných inštitúcií otvárať sa spolupráci s nezávislými zoskupeniami, ktoré prinášajú nové impulzy. Aké odlišné podmienky, aký celkom iný svet, a to sme len štyri hodiny od Bratislavy.

Riaditeľka iniciatívy pre súčasné umenie tranzit.cz a umelecká riaditeľka bienále Tereza Stejskalová priblížila, čo pre organizátorstvo znamená nutnosť v umení. V tematickej rovine ide o spoločenskú solidaritu, odpor voči mocným, politiku identity, vykorenenie, vojnovú a migračnú skúsenosť a tiež o otázky, v akých podmienkach umenie vzniká. Ako zdôraznila, pre tvorcov a tvorkyne pritom nejde len o kratochvíľu, luxus či koníček, ale o hlbokú bytostnú potrebu reagovať na svet okolo seba. Takéto umenie podľa jej slov nezostáva len pri reflexii, ale prináša aj stelesnenú skúsenosť a poznanie. S hlavnou témou súvisí aj katalóg k výstave, respektíve jeho alternatívna forma, ktorú pripravila Platforma Fůd publikujúca nezávislý časopis Fůd – zin zameriavajúci sa na angažovaný komiks a ilustrácie. Témou čísla určeného k výstave, ktoré obsahuje aj rozhovory s kurátorským tímom a umelectvom, je „denný chlieb“. Vydanie časopisu prináša ďalšie podnety na premýšľanie súvisiace s potrebou tvoriť a vyjadrovať sa k dianiu vo svete.

Kedy a pre koho je umenie nevyhnutnosťou?

Kurátorská trojica – František Fekete, Jakub Gawkowski a Jaroslava Tomanová vybrali 49 umelcov a umelkýň z takmer všetkých kútov sveta – od strednej a východnej Európy, cez Blízky východ až po juhozápadnú Áziu. Prekvapilo ma, že na výstave bolo početné aj zastúpenie tvorcov a tvorkýň zo Slovenska (Aliza Orlan, Jan Durina, Tina Bxtq, Adrián Kriška, Alex Sihelsk*, Hana Garová, Ladislava Gažiová). Tento akýsi tvorivý a myšlienkový azyl v Prahe ešte vypuklejšie poukázal na to, ako veľmi nám na Slovensku chýba podobne otvorená platforma na spoločné premýšľanie s víziou ohýbať či meniť spoločenskú realitu a poukazovať na nerovnosť a iné nástojčivé problémy dneška, akou je bienále.

Každý z tímu zdôraznil vo svojom kurátorskom prístupe rozličné akcenty vzťahujúce sa na spoločnú tému umenia ako nutnosti. Zatiaľ čo František Fekete vnímal nevyhnutnosť umeleckej tvorby hlavne ako spôsob nachádzania a tvarovania vlastnej identity (pri výbere je to zreteľné hlavne v queer umení), Jaroslava Tomanová sa zamerala predovšetkým na projekty, pre ktoré je typická procesuálnosť a presahujú čas a priestor bienále. Ide napríklad o kolektív Shella Radio, ktorý sa okrem hudby venuje aj politickým diskusiám či Kroužek intersekce zameriavajúci sa na spoločné vzdelávanie vo feministickej literatúre. Uprostred výstavnej haly postavili obrovský stan, ktorý si rôzne skupiny v priebehu trvania výstavy môžu prenajať pre vlastné aktivity. Potrebné je zachovať stanovené hodnoty, akými sú napríklad rešpekt, podpora, empatia či spoluzodpovednosť. Ďalšou skupinou sú StonyTellers v pražskom umeleckom centre Tusculum, ktorej členovia ešte pred štartom bienále založili komunitnú zeleninovú záhradu. Ich sídlo je takisto miestom rozmanitého programu, ktorý sa neviaže len na samotné bienále. Tretí z kurátorského tímu, Jakub Gawkowski z Poľska, uplatnil svoje múzejné a kunsthistorické pozadie a výber diel obohatil aj tými staršími, ktoré sa tak dostali do priamej komunikácie so súčasnosťou. Spomedzi nich najdrásavejšie, pohybujúc sa na krehkej hranici života a smrti, vyznieval fotografický cyklus západonemeckého umelca Jürgena Baldigu z 80. rokov 20. storočia, ktorý dokumentoval vlastný zápas s HIV až do konca jeho života.

Koľko stojí byť umelkyňou?

Hneď pri vstupe do výstavnej siene v Prahe natrafíte na dielo Kapitál od Željky Aleksić, ktorá pochádza zo Srbska a žije vo Viedni, kde aj študovala. Hrubá kniha s bordovým prebalom umiestnená pod ochranným sklom na bielom sokli už na prvý pohľad vzbudzovala zvedavosť. Ide o jediný exemplár, ktorý je zároveň diplomovou prácou umelkyne a skutočným denníkovým záznamom jej príjmov a výdavkov počas piatich rokov štúdia. Obsahuje originály výplatných pások z rokov, keď pracovala ako upratovačka či čašníčka, nákupné bločky i uhradené faktúry. Ako povedala Aleksić na komentovanej prehliadke, v tomto diele sa rozhodla tematizovať svoj pôvod – prostredie pracujúcej triedy a to, aké je byť umelkyňou, a zároveň manuálne pracovať. Jej „kapitálom“ je vzdelanie. Jeho súhrnnú cenu a náročnú cestu k nemu demonštruje v knihe-objekte, v ktorej sa dalo listovať len v bielych rukavičkách počas vernisáže a pod dohľadom. Ako zdôraznila, nechcela demonštrovať samotné vzdelanie v zmysle získania univerzitného diplomu, ale skôr cenu, ktorú za to zaplatila. Bilancia je presne 54 312 eur. 

Politike a katastrofám sa v umení nevyhneme 

Spomedzi všetkých diel vo mne najviac rezonovali textilné figuríny v diele Probíhající apokalypsa, ktoré vytvoril/a Yana Bachynska alias Jan Bačynsjkyj z Ukrajiny. Išlo o šok a mrazivý pocit kontrastu, ktorý vyplýval z dvoch prvkov tohto diela. Zrak okamžite prilákali hravé veselé farebné textilné postavičky z rozličných kusov oblečenia, korálikov a ďalších predmetov pôsobiace až rozprávkovo optimisticky. Išlo o kúsky odevov, ktoré Yana Bachynska nosila a presúvala sa v nich ako vojnová utečenkyňa po rôznych krajinách. Jasne sa v nich zrkadlia témy ako vykorenenie, migrácia, vojna, nomádstvo. Druhým gestom sprevádzajúcim tieto postavy sú textové komiksové bubliny, ktoré ostro nabúravajú akékoľvek pocity radosti a kritizujú (nielen) svetové elity, ale celkové naratívy spájajúce sa s vojnou v Ukrajine: „Po viac ako dvoch rokoch som sa vrátil/a domov. Stále prebieha ostreľovanie. Rozdiel je v tom, že tam nikto neoslavuje tých, ktorí nás zabíjajú. / Niektorí západní ľavičiari očakávajú, že zomrieme, aby sa mohli naďalej nazývať pacifistami. Niektorí z pravice sú pripravení vymeniť naše životy za „stabilitu“ alebo zdroje. / A obe strany sú presvedčené, že Ukrajinu a túto vojnu chápu lepšie ako Ukrajinky a Ukrajinci, od politikov až po kurátorov.“

Realita smrti na fronte pritom neobchádza ani umelkyne a umelcov. Súčasťou výstavy sú aj kolektívne portréty ukrajinských anarchistov a ľavicových aktivistov Davyda Čyčkana zabitého vo vojne či videoportrét queer umelca Artura Snitkusa od AntiGonny, ktorá zachytila jeho androgýnnu krehkosť a premenlivosť a stvárnila ho ako fluidnú anjelskú bytosť. Dielo pôsobí ako anticipácia jeho neskoršieho násilného skonu. Priamo politický kontext má dielo bieloruskej umelkyne Rufiny Bazlovej a Stitch it Collective. Po vstupe do zúženého priestoru, ktorý imituje väzenskú celu, sú vysoké červené steny zaplnené od hora nadol tzv. vyžívankami, bielo-červenými vyšívanými grafikami. Tie zobrazujú vždy jedného zo 4500 politických väzňov, odporcov súčasného diktátorského režimu v Bielorusku. Na ich tvorbe sa podieľalo 70 ľudí z celého sveta.

Krehké záznamy identity 

Inštalácia slovenskej umelkyne Alizy Orlan s názvom Vnútorné záležitosti spracúva trans feminínnu skúsenosť a vznikla priamo pre bienále. Inšpirácia pramení zo skúmania antického náboženského kultu Kybelé a transrodových kňažiek Galli. Kurátor František Fekete zdôrazňuje, že toto dielo spoluvytvára samotnú osobnosť a identitu umelkyne a je „rýdzou vnútornou aktivitou“. Detailné kresby v jemne ružových pastelových farbách ukazujú prelínanie zvieracích a rastlinných tiel. Súčasťou inštalácie sú prírodné materiály, ako napríklad malé mušličky či lupene kvetov, ktoré vytvárajú kontrast voči predmetom zo sterilného lekárskeho prostredia – hadičkám či prázdnym krabičkám od hormonálnych liečiv.

Jan Durina, dlhodobo žijúci v Prahe, vystavuje fotografie, v ktorých sa zrkadlí jeho osobná bolesť a trauma z nevydareného milostného vzťahu. V jeho tvorbe sa objavujú otázky súvisiace s pojmami ako samota, duševné zdravie, identita, rod či queer maskulinita. Okrem fotografií sú prítomné aj textilné artefakty, ako napríklad lesklý trblietavý kostým, ktorý bol súčasťou jeho predošlej umeleckej performancie. Ako povedal Durina, nesnažil sa zhotoviť len povrchovo krásny a módny artefakt, ktorý by zaujal svojou estetikou. Jeho časovo náročnú ručnú výrobu vníma ako hlboko vnútorný meditačný proces, ktorý prináša liečivé účinky. U Alizy Orlan, rovnako ako aj u Jana Durinu, vychádza impulz pre krásno často z bolestivých a ťažkých pocitov, ktoré však dokážu transformovať do estetickej podoby.

Ďalšou slovenskou umelkyňou zastúpenou na bienále je Hana Garová s dielom Identita – kolekcie záznamov. Podobne ako vo fotografiách Durinu, sledujeme v jej na prvý pohľad minimalistických autoportrétoch bolesť a zároveň nevyhnutnú túžbu tvoriť a psychologicky skúmať vlastné ja. Jej expresionistické výrazy sú neraz pochmúrne, extenzívne a obsesívne a odrážajú sa v nich až neznesiteľne silné emócie. Garová odkazuje na hľadanie rodovej identity či duševnú nevyrovnanosť a cez desiatky vlastných podôb sa snaží znova poskladať vlastné ja.

Queer umenie, ktoré v kontexte výstavy prinášalo ďalšie rozmery, bola Posledná bazilika gruzínskeho umelca Davida Apakidzeho. Z mäkkej plsti postavil repliku najstaršieho kostola v krajine, pričom do ortodoxných ikon vo vitrážach vniesol queer perspektívu.

Nové možnosti žitia a tvorenia

Čo sa týka nosnej témy umenia ako nutnosti, výrazne rezonovala línia nachádzania nových vízií pre budúcnosť a imaginácia odlišného spôsobu života a tvorby. V tejto súvislosti spolu pre mňa veľmi podnetne komunikovali dve diela slovenských tvorcov mladej generácie: textilné a drevené objekty Adriána Krišku v inštalácii s názvom Kam sa ani krkavci neodvážia, ktorá vznikla priamo pre bienále a videodielo multidisciplinárneho umelectva Alex Sihelsk*. Kriška žije na ostrove Fuerteventura, kde spolu s partnerom budujú rezidenčné a kultúrne centrum spojené so záhradou a ekologickou farmou. V tomto prístupe vidí podľa vlastných slov istú formu radikálneho aktu, snahu o sebestačnosť a stiahnutie sa z miest, kde sa bývanie stáva nedostupným. Vystavené objekty, ktoré odkazujú na tradície vidieckych prác na poli či na folklór, sú mnohovrstevnaté a hravé. Častým motívom sú čerti napĺňajúci queer funkciu ako revoltu voči spoločnosti. Kriška reaguje aj na súčasnosť – medzi jednotlivými dielami figuruje aj palestínska vlajka, ktorou sa snaží priblížiť kontext genocídy v Palestíne stredoeurópskej verejnosti. Jeho dielo tak prepája globálne problémy sveta s lokálnou utiahnutosťou sa na vidiek. Cez prevracanie nemennosti tradícií, folklóru a mytológie a tiež zdôrazňovaním ekologických aspektov a potravinovej udržateľnosti sa kriticky vyhraňuje voči kapitalizmu či kolonializmu. Poukazuje pritom na fakt, že absolútna myšlienková odťažitosť a ignorancia problémov nie je možná ani želaná, a to ani na odľahlom vidieku.

Alex Sihelsk*vo filme Zveromedze sleduje hlavnú hrdinku príbehu, queer pastierku putujúcu so stádom kôz krajinou v blízkej budúcnosti. Rozhovory prebiehajú v medzislovančine, umelo vytvorenom jazyku zloženom zo všetkých slovanských rečí. Sihelsk* sa inšpiruje staroslovanskou mytológiou, pričom s autentickým nadšením necháva svoju hrdinku, ktorú sám/sama vo filme stvárňuje, prekonávať rozličné prekážky (nedostatok vody, útek stáda). Stretáva mladé dievča, ktoré sa usiluje získať jej priazeň a postupne nadobúda odvahu a ochotu jej city opätovať. Ide o hlboký a citlivý portrét ľudí žijúcich v súlade s prírodou, mimo väčšinového systému, kde sú odkázaní na vzájomnú pomoc. Kriška aj Sihelsk* vo svojej tvorbe hľadajú istý typ úniku zo sveta, v ktorom sa viac nedá žiť. V ich odvrátení sa však nie je naivita či slepý idealizmus, ale úsilie naplniť život zmysluplne a v súlade s rešpektovaním iných ľudských životov, ale aj prírody a jej zákonitostí. Obe diela zároveň ponúkali istú nádej, ktorá je v súčasnom konfliktami zmietanom svete viac než potrebná. 

Autorka je divadelná kritička a publicistka

Text je súčasťou projektu PERSPECTIVES - novej značky pre nezávislú, konštruktívnu a multiperspektívnu žurnalistiku. Projekt je financovaný Európskou úniou. Vyjadrené názory a postoje sú názormi a vyhláseniami autora(-ov) a nemusia nevyhnutne odrážať názory a stanoviská Európskej únie alebo Európskej výkonnej agentúry pre vzdelávanie a kultúru (EACEA). Európska únia ani EACEA za ne nepreberajú žiadnu zodpovednosť.