Мистецтво як необхідність

Четвертий рік бієнале У справах мистецтва відбувається протягом трьох місяців (12. 6. – 13. 9. 2026) у Виставковому палаці Національної галереї у Празі та у Міській галереї GAMPA в Пардубицях. Його головною темою є Необхідні бажання (Неминучі прагнення).

Після входу до великої виставкової зали у Празі відвідувачі опиняються у так званій лабораторії для спільного обмірковування гострих політичних та суспільних питань сьогодення. Відео творців з Лівану чи Палестини переносить нас у центр актуальних конфліктів, інсталяція, що посилається на політичні репресії у Білорусі, нагадує про сотні неправомірно ув'язнених осіб. Критичні роботи українських митців — це запис гіркої реальності — смерті самих художників у боротьбі з російським агресором. Світ — це один великий конфлікт, і це відображається і у виставлених роботах. Тематична лінія, пов’язана з воєнними конфліктами та несвободою у світі, органічно змішується з роботами більш інтимного характеру, які досліджують ідентичність — гендерну, тілесну, поглядову, і часто є активістськими і водночас глибоко людськими.

Ще на урочистому відкритті та огляді для журналістів було чітко відчутно загальну концепцію бієнале як ширшого проекту, що включає не лише мистецтво, а й політичний активізм, соціальну роботу та освіту. Кураторська команда підкреслила зацікавленість у децентралізації їхньої діяльності, неієрархічному функціонуванні та також у спільному використанні простору і матеріальної інфраструктури виставки. Демократичний підхід відображався і в тому, що вхід на виставки безкоштовний і безбар’єрний для всіх. Директорка Національної галереї у Празі Ольга Коткова наголосила також на необхідності великих і традиційних інституцій відкриватися для співпраці з незалежними об’єднаннями, які приносять нові імпульси. Які різні умови, який зовсім інший світ, і ми лише за чотири години від Братислави.

Директорка ініціативи сучасного мистецтва tranzit.cz та художня директорка бієнале Тереза Стейскалова розповіла, що для організаторства означає необхідність у мистецтві. У тематичному плані йдеться про суспільну солідарність, опір владі, політику ідентичності, корінність, воєнний і міграційний досвід, а також про питання, у яких умовах виникає мистецтво. Як підкреслила, для творців і творчинь це не просто розвага, розкіш чи хобі, а глибока внутрішня потреба реагувати на світ навколо. Таке мистецтво, за її словами, не залишається лише на рівні рефлексії, а й приносить втілений досвід і знання. З головною темою також пов’язаний каталог до виставки, або його альтернативна форма, яку підготувала платформа Fůd, публікуючи незалежний журнал Fůd — журнал, що зосереджений на активістському коміксі та ілюстраціях. Темою номера, призначеного для виставки, що містить інтерв’ю з кураторською командою та художниками, є «щоденний хліб». Випуск журналу дає додаткові підказки для роздумів, пов’язаних із потребою створювати і висловлюватися щодо подій у світі.

Коли і для кого мистецтво є необхідністю?

Кураторська трійця — Франішек Фекете, Якуб Гавковський і Ярослава Томанова — обрали 49 митців і мисткинь із майже всіх куточків світу — від Центральної і Східної Європи, через Близький Схід до південно-західної Азії. Мене здивувало, що у виставці було також представлено багато творців і творчинь із Словаччини (Аліза Орлан, Ян Дуріна, Тіна Бхт, Адріан Крішка, Алекс Сіхельск*, Гана Гаровá, Ладислава Газіова). Цей так званий творчий і ідейний притулок у Празі ще яскравіше показав, наскільки нам у Словаччині бракує подібної відкритої платформи для спільного обмірковування з ідеєю змінювати суспільну реальність і вказувати на нерівність та інші нагальні проблеми сьогодення, якою є бієнале.

Кожен із трійки підкреслив у своєму кураторському підході різні акценти, що стосуються спільної теми мистецтва як необхідності. Зокрема, Франішек Фекете сприймає необхідність художнього творення головним чином як спосіб пошуку і формування власної ідентичності (при виборі це особливо помітно у квір-мистецтві), Ярослава Томанова зосередилася передусім на проектах, для яких характерна процесуальність і що перетинають час і простір бієнале. Це, наприклад, колектив Shella Radio, який окрім музики займається також політичними дискусіями, або Kroužek intersekce, що спрямований на спільне навчання у феміністській літературі. Посеред виставкової зали поставили величезний намет, який різні групи під час тривалості виставки можуть орендувати для власних заходів. Необхідно зберігати визначені цінності, такі як повага, підтримка, емпатія і спільна відповідальність. Ще одна група — StonyTellers у пражському художньому центрі Tusculum, члени якої ще перед початком бієнале заснували спільний город із овочами. Їхнє місце — це також простір для різноманітної програми, що не обмежується лише бієнале. Третій із кураторської команди — Якуб Гавковський із Польщі — застосував своє музейне і мистецтвознавче походження і доповнив вибір робіт і старшими, що дозволило їм безпосередньо спілкуватися з сучасністю. З-поміж них найяскравішим, що рухається на тонкій межі життя і смерті, був фотосерій німецького художника Юргена Бальдиги з 80-х років ХХ століття, що документував власну боротьбу з ВІЛ до кінця його життя.

Скільки коштує бути художницею?

Ще при вході до виставкової зали у Празі ви натрапите на роботу Капітал від Жельки Алексић, яка походить із Сербії і живе у Відні, де й навчалася. Груба книга з бордовим обкладинкою, розміщена під захисним склом на білому підставці, вже з першого погляду викликала цікавість. Це єдиний екземпляр, що одночасно є дипломною роботою художниці і справжнім щоденниковим записом її доходів і витрат за п’ять років навчання. Вона містить оригінали платіжних чеків за роки, коли вона працювала прибиральницею чи офіціанткою, чеки на покупки і оплачені рахунки. Як сказала Алексић під час коментованої екскурсії, у цій роботі вона вирішила тематику свого походження — середовища працівничого класу і того, яким є бути художницею і водночас виконувати ручну працю. Її «капіталом» є освіта. Її підсумкова ціна і важкий шлях до неї демонструються у книжковому об’єкті, у якому можна було переглядати лише у білих рукавичках під час вернісажу і під наглядом. Вона наголосила, що не хотіла демонструвати саме освіту у сенсі здобуття університетського диплому, а швидше ціну, яку за це заплатила. Баланс — 54 312 євро.

Політика і катастрофи — неминучі у мистецтві

З усіх робіт у мене найбільше резонанс викликали текстильні фігурки у роботі Триваюча апокаліпсис, створені/ий Яною Бачинською або Яном Бачинським з України. Це був шок і морозне відчуття контрасту, що виникало з двох елементів цієї роботи. Зірку одразу привертали грайливі яскраві кольорові текстильні постаті з різних шматків одягу, намистин і інших предметів, що виглядали казково оптимістично. Це були шматки одягу, які Яна Бачинська носила і пересувалася у них, як воєнна біженка, по різних країнах. Ясно відображаються теми корінності, міграції, війни, кочівництва. Другим жестом, що супроводжує ці фігури, є текстові коміксові бульбашки, що гостро руйнують будь-які відчуття радості і критикують (не лише) світових еліт, а й загальні наративи, пов’язані з війною в Україні: «Після більше ніж двох років я повернувся/повернулася додому. Обстріли тривають. Різниця в тому, що там ніхто не святкує тих, хто нас вбиває. / Деякі західні ліві очікують, що ми помремо, щоб і далі називати себе пацифістами. Деякі праві готові обміняти наше життя на «стабільність» або ресурси. / І обидві сторони переконані, що Україну і цю війну вони розуміють краще за українців і українок, від політиків до кураторів.»

Реальність смерті на фронті також не оминає художників і художниць. У виставці представлені колективні портрети українських анархістів і лівих активістів Довіда Чичкана, вбитого під час війни, а також відеопортрет квір-мистця Артура Сніткуса від AntiGonna, що зафіксувала його андрогінну крихкість і мінливість і зобразила його як флюїдну ангельську істоту. Робота має вигляд передчуття його пізнішої насильницької смерті. Прямий політичний контекст має робота білоруської художниці Руфіни Базлової та Stitch it Collective. Після входу до звуженого простору, що імітує камеру в’язниці, високі червоні стіни заповнені згорілими з верху до низу так званими «вишиванками», біло-червоними вишитими графіками. Вони зображують кожного з 4500 політичних в’язнів, опонентів сучасного диктаторського режиму у Білорусі. У їхній роботі брали участь 70 людей з усього світу.

Хрупкі записи ідентичності

Інсталяція словацької художниці Алізи Орлан під назвою Внутрішні справи опрацьовує трансфемінінний досвід і була створена безпосередньо для бієнале. Натхнення походить із дослідження античного релігійного культу Кібели та трансродових жриць Галлі. Куратор Франішек Фекете наголошує, що ця робота співавтворює саму особистість і ідентичність художниці і є «чистою внутрішньою активністю». Детальні малюнки у ніжних рожевих пастельних кольорах показують переплетення тваринних і рослинних тіл. Частиною інсталяції є природні матеріали, наприклад, маленькі мушлі чи пелюстки квітів, що створюють контраст із предметами із стерильного медичного середовища — трубками чи порожніми коробками від гормональних препаратів.

Ян Дуріна, який довго живе у Празі, виставляє фотографії, у яких відображається його особиста біль і травма від невдалих романтичних стосунків. У його творчості з’являються питання, пов’язані з поняттями самотності, психічного здоров’я, ідентичності, статі чи квір-маскулінності. Окрім фотографій, присутні також текстильні артефакти, наприклад, блискучий сяючий костюм, який був частиною його попереднього художнього перформансу. Як сказав Дуріна, він не намагався створити лише поверхнево красивий і модний артефакт, що приверне увагу своєю естетикою. Його часом витратне ручне виробництво він сприймає як глибокий внутрішній медитативний процес, що приносить лікувальні ефекти. У Алізи Орлан і Яна Дуріни імпульс до краси часто походить із болючих і важких почуттів, які все ж здатні трансформуватися у естетичну форму.

Ще одна словацька художниця, представлена на бієнале, — Ганна Гаровá з роботою Ідентичність — колекції записів. Подібно до фотографій Дуріни, у її на перший погляд мінімалістичних автопортретах відчувається біль і водночас необхідне прагнення творити і психологічно досліджувати власне я. Її експресіоністичні вирази часто похмурі, експансивні і нав’язливі, у них відчуваються надзвичайно сильні емоції. Гаровá посилається на пошук гендерної ідентичності чи психічної нестабільності і через десятки власних образів намагається знову зібрати власне я.

Квир-мистецтво, яке у контексті виставки додавало додаткові виміри, — Остання базиліка грузинського митця Давида Апакідзе. З м’якої фетру він створив копію найстарішого собору країни, унісши у вітражі православних ікон квір-перспективу.

Нові можливості життя і створення

Що стосується основної теми мистецтва як необхідності, яскраво резонувала лінія пошуку нових візій для майбутнього і уявлення іншого способу життя і творчості. У цьому контексті для мене дуже стимулюючими були дві роботи словацьких митців молодого покоління: текстильні та дерев’яні об’єкти Адріана Крішки у інсталяції під назвою Куди навіть ворони не наважуються, що була створена безпосередньо для бієнале, і відео-робота мультидисциплінарного мистецтва Алекс Сіхельска*. Крішка живе на острові Фуертевентура, де разом із партнером створює резиденційний і культурний центр із садом і екологічною фермою. У цьому підході він бачить певну форму радикального акту, прагнення до самодостатності і відходу з місць, де проживання стає недоступним. Виставлені об’єкти, що посилаються на традиції сільських праць на полі або на фольклор, — багатошарові і грайливі. Частим мотивом є чорт, що наповнює квір-функцію як бунт проти суспільства. Крішка також реагує на сучасність — між роботами фігурує палестинський прапор, яким він намагається наблизити контекст геноциду у Палестині до середньоєвропейської аудиторії. Його робота поєднує глобальні проблеми світу з локальною закритістю до сільської місцевості. Через перевертання незмінності традицій, фольклору і міфології, а також підкреслювання екологічних аспектів і продовольчої сталості він критично виступає проти капіталізму і колоніалізму. Він наголошує, що абсолютна ідеологічна відсталість і ігнорування проблем не є можливими і бажаними, навіть у віддаленій глибинці.

Алекс Сіхельск* у фільмі Звіромежа слідкує за головною героїнею — квір-овечкою, що мандрує з отарою кіз країною у близькому майбутньому. Розмови ведуться у міжслов’янській мові, штучно створеній з усіх слов’янських мов. Сіхельск* надихається старослов’янською міфологією, і з автентичним захопленням дозволяє своїй героїні, яку він/вона грає у фільмі, долати різні перешкоди (недостаток води, втеча отари). Вона зустрічає молоде дівчисько, яке прагне здобути її прихильність і поступово набуває сміливості і бажання відповісти їй взаємністю. Це глибокий і чутливий портрет людей, що живуть у гармонії з природою, поза більшістю систем, залежних від взаємодопомоги. Крішка і Сіхельск* у своїй творчості шукають певний тип втечі з світу, у якому вже неможливо жити. Їхній відхід — це не наївність чи сліпий ідеалізм, а прагнення наповнити життя змістом і у гармонії з повагою до інших людських життів, а також природи і її законів. Обидва твори одночасно пропонували певну надію, яка у сучасному світі, сповненому конфліктів, є більш ніж необхідною.

Авторка — театральна критикиня і публіцистка

Текст є частиною проекту PERSPECTIVES — нової марки для незалежної, конструктивної і мультиперспективної журналістики. Проект фінансується Європейським Союзом. Висловлені думки і позиції є думками і заявами автора(-ів) і не обов’язково відображають думки і позиції Європейського Союзу або Європейського виконавчого агентства з освіти і культури (EACEA). Європейський Союз і EACEA не несуть відповідальності за них.